（MENAFN- The Conversation） 演劇の学者ピーター・ブルックスは、悲劇に取って代わる人気の形式としてメロドラマの台頭を支持した。彼は、メロドラマは感情や道徳的価値観の表現において、明示的で誇張的になりがちだと述べている。芸術の中で極端な感情表現を露骨かつ明確に描く傾向は、2026年のパースフェスティバルでも見られた。『Lacrima』では、俳優たちがスクリーンに映し出された映像のクローズアップやクリップとともに舞台上で演じる。一方、『Songs of the Bulbul』は、アーカーシュ・オデドラによるソロダンスで、事前録音されたロマンチックなスコアに合わせて演じられる。それでも両者は似ている。どちらも激しい物語を描いている。最初から、これらの物語は登場人物の心身の崩壊と自己焼却に終わることがわかる。『Lacrima』の中心人物は、コートスタジオの責任者（モード・ルグレヴレック演）で、彼女は不可能な締め切り、怨みを抱く部下兼夫（ダン・アーチュス）、そして娘の精神的崩壊の狭間にいる。『Songs of the Bulbul』では、オデドラは光を奪われ、飼い主に盲目にされた鳥であり、より哀愁を帯びて美しく歌うために歌っている。両作品とも、メッセージを伝えるために誇張された身体表現を用いている。鋭く声を張り上げたり、叫んだり、緊張した攻撃的な姿勢は、『Lacrima』の最終的な身体的崩壊の前兆だ。私たちは、オデドラのダンサーの次第に苦悶に満ちた回転やねじれた軌跡を目撃する。大きなジェスチャーは、劇的なクライマックスと一致している。『赤い靴』は、過剰な感情やキャラクターに対して、やや軽いアプローチを取っている。メリッサ・マデン・グレイは、彼女の派手なディーバ・ペルソナ「ミャオ・ミャオ」を使って、自身や慣習を風刺する。瓦礫の山を登り、衣装を組み立てたり解体したりしながら、ハンス・クリスチャン・アンデルセンについて語り、最後はシェイクスピアの喜劇の結婚式のフィナーレのようにキャストが前面に並ぶ。ここでは、崩壊と不確かな復活の、より自己意識的でコメディ的なメロドラマが展開される。奇妙さと騒々しさ『The Last Great Hunt』の新作は、「毎晩ライブで演じられる偽の外国映画を上演する」という荒唐無稽な提案から始まる。複雑な撮影セットを素早く舞台に設置し、『Le Nør（雨）』は、色彩豊かな1980年代のビデオ、衣装、メイクを模した架空の世界の中で、完全に架空のノルウェー語で演じられる。ロマンチックな友情や絡み合いが次々と明らかになり、壊れ、再構成される中、キャストは一つのぼやけたスクリーン上の乱交に集まる。これは、熟練した誇張された愚かさの素晴らしい例だ。個人的にお気に入りだったのは、Chunky Moveの『U>N>I>T>E>D』で、暗闇の中を動き回るダンサーと、Gabber Modus Operandiのインドネシア産工業音楽が空間を破壊する、非常に奇妙で騒々しいサイバネティック・ミ mimeだ。パフォーマーは、擬似サイバネティックなモジュラー外骨格を身にまとい、クモのような外見をしている。劇的な弧は、キャラクターがテクノ原始的な神に身体的に犠牲になるまで続く。意味はあまりないが、一つの場面から次の場面への劇的な飛躍はスリリングだ。『タイガーリリーズ』は、多くの点でChunky Moveに似ている。見たり聞いたりしたものが基本的にそのままで、そこに歌詞が加わることで、打ちのめされた邪悪な魂やリズミカルな瞬間についての歌詞が増幅されている。この三人組の無倫理的な歌は、ブレヒトの複雑な心理的・政治的詩学の代わりに、エピソードごとの歌詞スケッチを通じて、街の生活について歌う。悲劇を求めてフェスティバルには、瞑想的で悲劇的な作品もあった。フィリップ・グラスのオペラ版『審判』の結末でジョゼフ・Kが死に至ることは、最初から予告されている。しかし、オペラの物語とグラスの反復的な音楽の交互は、彼の苦闘をじっくりと見せる時間を十分に与えている。Kは、昆虫が標本ピンに絡まるように、音楽的にも劇的にもその様子が描かれる。特に魅了されたのは、ハラボ・キムチにおけるジャハ・クーの移民、疎外、記憶の曖昧さについての親密な考察だった。舞台は韓国の屋外レストランを模しており、クーは韓国からベルリン、ブリュッセルへの旅路を描いている。話し言葉と短い映画やアニメーションが、控えめなキッチンの両側のスクリーンに映し出される。クーは、家族に無理やり持たされた漬物のキムチキャベツの袋が爆発し、その香りと汁がアパートのブロックに染み渡ったことを語る。これが移民の恥を教えた。しかし、キムチは故郷を象徴し、クーが生放送し、好奇心旺盛な観客に配る他の美味しい料理もそうだ。クーはまた、韓国への帰国の旅で、ウナギの養殖場を訪れ、何匹かの逃亡者を捕まえる手伝いをしたことも語る。画面には、高音で歌うアニメーションのウナギが登場し、ウナギは海の中心で生まれ、内陸の水路で成熟すると説明される。ウナギには一つの家はなく、多くの家がある。また、クーがレタスの中で見つけてしばらく飼育し、その後放したカタツムリや、日常の幻想に絡みつくハリボーのグミベアも映し出される。この切なく憂鬱な作品は、メロドラマの逆とも言える。唯一の身体的崩壊は私自身であり、静かにウナギの歌に涙を流した。異文化交流、ブールー流『BhuMeJha Project』は、スピリチュアルな芸術と文化団体サラスワティ・マハヴィディヤラヤによるパフォーマンスと食の夕べだった。川の近くの老木の輪の中で行われ、夕日が沈む頃に会場に到着するのは感動的だった。音楽は、ハリラム・ラームのカルナーティックバイオリンとボーカル、モハマド・ヒシャルディのマレーシア産バイオリンとフレームドラム、シヴァクマール・バラクリシュナンのインドのタブラ、そして最も印象的なのは、ヨルングの歌手ダニエル・ウィルフレッドによる歌唱、クラップスティック、オーストラリア先住民の認可された振付だ。ダンスと歌は、主にインド古典のジェスチャーを取り入れた女性中心のアンサンブルによって提供される。多様な訓練レベルやグループ、ポーズは緩やかであるが、スキ・クリシュナンとアールティ・カマレッシュの両教師は、表情も身体も鋭く関与している。ダンサーたちがどのような劇的なやり取りをしているのかは不明だったが、ウィルフレッドが長い槍を持ってアルナムランドの海岸で漁をする短いミームを演じると、全体の流れが見えてくる。ウィルフレッドの歌声は、音楽の融合を鋭く突き刺し、強い力と迫力を持つ。『BhuMeJha Project』は完成度は高くないが、非常に感動的だ。私が見た中で唯一、ブールー・パースに不可欠だったのは『BhuMeJha』だった。皮肉なことに、それはクーのウナギと同様に、間接的に世界の移動と定住の歴史に言及していたからだ。そのため、明快さや規模のメロドラマ的義務にはほとんど注意を払っていなかった。『BhuMeJha』と『Haribo Kimchi』は、それぞれの場所とそこに展開される感情を控えめに呼び起こす点で大きな役割を果たしている。私たちは、そのようなショーをもっと必要としている。
メロドラマが2026年パース・フェスティバルを通じたテーマにどのようになったか
（MENAFN- The Conversation） 演劇の学者ピーター・ブルックスは、悲劇に取って代わる人気の形式としてメロドラマの台頭を支持した。彼は、メロドラマは感情や道徳的価値観の表現において、明示的で誇張的になりがちだと述べている。
芸術の中で極端な感情表現を露骨かつ明確に描く傾向は、2026年のパースフェスティバルでも見られた。
『Lacrima』では、俳優たちがスクリーンに映し出された映像のクローズアップやクリップとともに舞台上で演じる。一方、『Songs of the Bulbul』は、アーカーシュ・オデドラによるソロダンスで、事前録音されたロマンチックなスコアに合わせて演じられる。
それでも両者は似ている。どちらも激しい物語を描いている。最初から、これらの物語は登場人物の心身の崩壊と自己焼却に終わることがわかる。
『Lacrima』の中心人物は、コートスタジオの責任者（モード・ルグレヴレック演）で、彼女は不可能な締め切り、怨みを抱く部下兼夫（ダン・アーチュス）、そして娘の精神的崩壊の狭間にいる。
『Songs of the Bulbul』では、オデドラは光を奪われ、飼い主に盲目にされた鳥であり、より哀愁を帯びて美しく歌うために歌っている。
両作品とも、メッセージを伝えるために誇張された身体表現を用いている。鋭く声を張り上げたり、叫んだり、緊張した攻撃的な姿勢は、『Lacrima』の最終的な身体的崩壊の前兆だ。私たちは、オデドラのダンサーの次第に苦悶に満ちた回転やねじれた軌跡を目撃する。大きなジェスチャーは、劇的なクライマックスと一致している。
『赤い靴』は、過剰な感情やキャラクターに対して、やや軽いアプローチを取っている。
メリッサ・マデン・グレイは、彼女の派手なディーバ・ペルソナ「ミャオ・ミャオ」を使って、自身や慣習を風刺する。
瓦礫の山を登り、衣装を組み立てたり解体したりしながら、ハンス・クリスチャン・アンデルセンについて語り、最後はシェイクスピアの喜劇の結婚式のフィナーレのようにキャストが前面に並ぶ。ここでは、崩壊と不確かな復活の、より自己意識的でコメディ的なメロドラマが展開される。
奇妙さと騒々しさ
『The Last Great Hunt』の新作は、「毎晩ライブで演じられる偽の外国映画を上演する」という荒唐無稽な提案から始まる。
複雑な撮影セットを素早く舞台に設置し、『Le Nør（雨）』は、色彩豊かな1980年代のビデオ、衣装、メイクを模した架空の世界の中で、完全に架空のノルウェー語で演じられる。
ロマンチックな友情や絡み合いが次々と明らかになり、壊れ、再構成される中、キャストは一つのぼやけたスクリーン上の乱交に集まる。
これは、熟練した誇張された愚かさの素晴らしい例だ。
個人的にお気に入りだったのは、Chunky Moveの『U>N>I>T>E>D』で、暗闇の中を動き回るダンサーと、Gabber Modus Operandiのインドネシア産工業音楽が空間を破壊する、非常に奇妙で騒々しいサイバネティック・ミ mimeだ。
パフォーマーは、擬似サイバネティックなモジュラー外骨格を身にまとい、クモのような外見をしている。劇的な弧は、キャラクターがテクノ原始的な神に身体的に犠牲になるまで続く。
意味はあまりないが、一つの場面から次の場面への劇的な飛躍はスリリングだ。
『タイガーリリーズ』は、多くの点でChunky Moveに似ている。見たり聞いたりしたものが基本的にそのままで、そこに歌詞が加わることで、打ちのめされた邪悪な魂やリズミカルな瞬間についての歌詞が増幅されている。
この三人組の無倫理的な歌は、ブレヒトの複雑な心理的・政治的詩学の代わりに、エピソードごとの歌詞スケッチを通じて、街の生活について歌う。
悲劇を求めて
フェスティバルには、瞑想的で悲劇的な作品もあった。
フィリップ・グラスのオペラ版『審判』の結末でジョゼフ・Kが死に至ることは、最初から予告されている。しかし、オペラの物語とグラスの反復的な音楽の交互は、彼の苦闘をじっくりと見せる時間を十分に与えている。Kは、昆虫が標本ピンに絡まるように、音楽的にも劇的にもその様子が描かれる。
特に魅了されたのは、ハラボ・キムチにおけるジャハ・クーの移民、疎外、記憶の曖昧さについての親密な考察だった。
舞台は韓国の屋外レストランを模しており、クーは韓国からベルリン、ブリュッセルへの旅路を描いている。
話し言葉と短い映画やアニメーションが、控えめなキッチンの両側のスクリーンに映し出される。
クーは、家族に無理やり持たされた漬物のキムチキャベツの袋が爆発し、その香りと汁がアパートのブロックに染み渡ったことを語る。これが移民の恥を教えた。
しかし、キムチは故郷を象徴し、クーが生放送し、好奇心旺盛な観客に配る他の美味しい料理もそうだ。
クーはまた、韓国への帰国の旅で、ウナギの養殖場を訪れ、何匹かの逃亡者を捕まえる手伝いをしたことも語る。画面には、高音で歌うアニメーションのウナギが登場し、ウナギは海の中心で生まれ、内陸の水路で成熟すると説明される。ウナギには一つの家はなく、多くの家がある。
また、クーがレタスの中で見つけてしばらく飼育し、その後放したカタツムリや、日常の幻想に絡みつくハリボーのグミベアも映し出される。
この切なく憂鬱な作品は、メロドラマの逆とも言える。唯一の身体的崩壊は私自身であり、静かにウナギの歌に涙を流した。
異文化交流、ブールー流
『BhuMeJha Project』は、スピリチュアルな芸術と文化団体サラスワティ・マハヴィディヤラヤによるパフォーマンスと食の夕べだった。
川の近くの老木の輪の中で行われ、夕日が沈む頃に会場に到着するのは感動的だった。
音楽は、ハリラム・ラームのカルナーティックバイオリンとボーカル、モハマド・ヒシャルディのマレーシア産バイオリンとフレームドラム、シヴァクマール・バラクリシュナンのインドのタブラ、そして最も印象的なのは、ヨルングの歌手ダニエル・ウィルフレッドによる歌唱、クラップスティック、オーストラリア先住民の認可された振付だ。
ダンスと歌は、主にインド古典のジェスチャーを取り入れた女性中心のアンサンブルによって提供される。
多様な訓練レベルやグループ、ポーズは緩やかであるが、スキ・クリシュナンとアールティ・カマレッシュの両教師は、表情も身体も鋭く関与している。
ダンサーたちがどのような劇的なやり取りをしているのかは不明だったが、ウィルフレッドが長い槍を持ってアルナムランドの海岸で漁をする短いミームを演じると、全体の流れが見えてくる。
ウィルフレッドの歌声は、音楽の融合を鋭く突き刺し、強い力と迫力を持つ。
『BhuMeJha Project』は完成度は高くないが、非常に感動的だ。
私が見た中で唯一、ブールー・パースに不可欠だったのは『BhuMeJha』だった。皮肉なことに、それはクーのウナギと同様に、間接的に世界の移動と定住の歴史に言及していたからだ。そのため、明快さや規模のメロドラマ的義務にはほとんど注意を払っていなかった。
『BhuMeJha』と『Haribo Kimchi』は、それぞれの場所とそこに展開される感情を控えめに呼び起こす点で大きな役割を果たしている。私たちは、そのようなショーをもっと必要としている。