Làm thế nào Melodrama Trở Thành Chủ Đề Xuyên Suốt Lễ Hội Perth 2026

(MENAFN- The Conversation) Nhà nghiên cứu về sân khấu Peter Brooks ủng hộ sự phát triển của thể loại bi kịch truyền thống, thay thế bằng thể loại melodrama phổ biến hơn. Ông nói rằng, melodrama thường thể hiện rõ ràng và phóng đại trong việc miêu tả các giá trị cảm xúc và đạo đức.

Xu hướng này trong nghệ thuật nhằm thể hiện các cực đoan của đời sống cảm xúc, rõ ràng và dễ nhận biết, đã thể hiện rõ tại Festival Perth 2026.

Trong Lacrima, các diễn viên biểu diễn trên sân khấu bên cạnh các đoạn phim cận cảnh và clip được chiếu. Trong khi đó, Songs of the Bulbul của Aakash Odedra là một buổi nhảy đơn độc đi kèm với bản nhạc lãng mạn đã ghi sẵn.

Tuy nhiên, chúng đều giống nhau. Cả hai đều kể câu chuyện đầy biến động. Ngay từ đầu, chúng ta đã biết rằng câu chuyện sẽ kết thúc bằng sự suy sụp tâm lý và tự thiêu của các nhân vật chính.

Nhân vật trung tâm trong Lacrima là người đứng đầu một studio thời trang (do Maud LeGrevellec thủ vai). Cô bị mắc kẹt giữa các hạn chót không thể đáp ứng, người phụ tá/ chồng đầy oán giận (Dan Artus), và sự suy sụp tinh thần ngày càng trầm trọng của con gái họ.

Trong Songs of the Bulbul, Odedra là một chú chim hát, bị chủ nhân cấm ánh sáng và bị mù, để nó hát một cách buồn bã và tinh tế hơn.

Cả hai tác phẩm đều sử dụng các biểu hiện hình thể quá mức để truyền tải thông điệp. Giọng nói lớn, hét to và các tư thế căng thẳng, hung hăng là điềm báo cho sự sụp đổ thể chất cuối cùng trong Lacrima. Chúng ta chứng kiến những vòng quay ngày càng đau đớn và các đường đi lệch lạc của vũ công trong phần biểu diễn của Odedra. Các cử chỉ lớn phù hợp với cao trào kịch tính.

The Red Shoes mang phong cách ít nghiêm trọng hơn trong việc thể hiện cảm xúc quá mức và tính cách nhân vật.

Melissa Madden Gray sử dụng hình tượng diva phồng rộp của mình, Meow Meow, để châm biếm chính bản thân và các quy ước.

Leo qua đống rác, lắp ráp và tháo dỡ trang phục, và bàn luận về Hans Christian Andersen, vở diễn kết thúc với dàn diễn viên xếp hàng phía trước như trong phần kết hôn của một vở hài kịch Shakespeare. Đây là một melodrama tự ý thức và hài hước về sự sụp đổ và khả năng phục hồi không chắc chắn.

Điều kỳ quái và ầm ĩ

Tác phẩm mới của The Last Great Hunt bắt đầu với đề xuất phi lý về việc trình diễn một “phim nước ngoài giả” trực tiếp mỗi đêm.

Với các thiết lập quay phim phức tạp được lắp đặt nhanh trên sân khấu, Lé Nør (Mưa) được biểu diễn hoàn toàn bằng một ngôn ngữ giả tưởng của Na Uy trong một thế giới hư cấu dựa trên video, trang phục và trang điểm rực rỡ của thập niên 1980.

Các mối quan hệ tình cảm lãng mạn và rối rắm được khám phá, phá vỡ và cấu trúc lại trong một loạt các tiết lộ nhanh chóng trước khi các diễn viên tụ họp lại để tạo thành một cảnh quan trên màn hình như một buổi tiệc thác loạn.

Một ví dụ tuyệt vời về sự ngớ ngẩn phóng đại có kỹ năng.

Một tác phẩm yêu thích cá nhân là U>N>I>T>E>D của Chunky Move, một màn trình diễn mime cyber kỳ quái và ầm ĩ, với các vũ công di chuyển trong bóng tối xen kẽ, trong khi nhạc công nghiệp Indonesia của Gabber Modus Operandi làm tan chảy không gian.

Các diễn viên mặc bộ đồ exoskeleton mô-đun gần như cyber, trông giống như nhện. Cốt truyện dẫn đến việc các nhân vật bị hy sinh thể chất để thờ cúng một vị thần nguyên thủy kỹ thuật số.

Nó không quá hợp lý, nhưng rất hồi hộp với các bước nhảy kịch tính từ cảnh này sang cảnh khác.

The Tiger Lillies, theo nhiều cách, giống Chunky Move: những gì bạn thấy và nghe gần như là những gì bạn nhận được, chỉ khác ở chỗ thêm lời bài hát về những linh hồn xấu xa bị đánh đập và những khoảnh khắc nhịp điệu mãnh liệt.

Ba người hát những bài hát vô đạo đức về cuộc sống trên đường phố qua các bản phác thảo lời ca từng phần, thay vì các poetics phức tạp về tâm lý và chính trị của Brecht.

Tiến tới bi kịch

Trong lễ hội có những tác phẩm thiền định và bi kịch.

Sự sụp đổ của Joseph K trong phần kết của bản opera của Philip Glass dựa trên tác phẩm The Trial của Kafka đã được dự báo từ đầu. Nhưng cốt truyện của opera và sự xen kẽ của Glass với các đoạn nhạc lặp lại tạo thời gian để xem ông ấy vật lộn. K được thể hiện về mặt âm nhạc và kịch tính như một con côn trùng quằn quại trên chiếc kim của mẫu vật của chính nó.

Tôi đặc biệt thích thú với nghiên cứu sâu của Jaha Koo về di cư, sự xa cách và sự mơ hồ của ký ức trong Haribo Kimchi.

Bối cảnh mô phỏng một nhà hàng ngoài trời của Hàn Quốc, nơi Koo kể hành trình từ Hàn Quốc đến Berlin rồi Brussels.

Lời nói xen kẽ các đoạn phim ngắn và hoạt hình trình chiếu trên các màn hình hai bên bếp nhỏ của anh.

Koo kể rằng chiếc túi cải chua kimchi mà gia đình anh ép buộc anh mang đến Berlin đã nổ tung, mùi và nước của nó thấm vào tòa nhà chung cư của anh. Điều này dạy anh về nỗi xấu hổ của người nhập cư.

Tuy nhiên, kimchi tượng trưng cho quê hương, như các món ăn ngon khác mà Koo nấu và phân phát cho khán giả tò mò.

Koo cũng mô tả chuyến trở về Hàn Quốc, nơi anh thăm một trang trại cá trê và giúp bắt một số cá trê trườn trườn trốn thoát. Trên màn hình, một con cá trê hoạt hình, cao giọng, hát ca, kể rằng cá trê sinh ra ở trung tâm đại dương, nhưng trưởng thành trong các dòng nước nội địa: cá trê không có một mái nhà, chúng có nhiều nơi.

Chúng ta cũng thấy một con sên mà Koo tìm thấy trong rau xà lách, giữ lại một thời gian rồi thả ra; và một chú gấu kẹo dẻo Haribo đã quấn lấy lời kể đơn giản của Koo trong những tưởng tượng xuất phát từ thực tại hàng ngày.

Tác phẩm buồn man mác này gần như trái ngược với melodrama. Sự sụp đổ duy nhất của cơ thể là của tôi, khi tôi lặng lẽ rơi nước mắt vì bài hát của cá trê.

Văn hóa đa dạng, phong cách Boorloo

Dự án BhuMeJha là một buổi biểu diễn kết hợp nghệ thuật tâm linh và ẩm thực do tổ chức văn hóa và nghệ thuật Saraswati Mahavidhyalaya tổ chức.

Biểu diễn trong vòng tròn các cây gỗ già gần dòng sông, việc đến địa điểm khi mặt trời lặn thật là khó khăn.

Âm nhạc gồm có đàn violin Carnatic và hát của đạo diễn âm nhạc Hariraam Lam; đàn violin và trống khung của Malaysia từ Mohammad Hisharudy; đàn tabla của Ấn Độ do Sivakumar Balakrishnan chơi; và đặc biệt là các bài hát, gậy vỗ và vũ đạo của người bản địa First Nations của Australia do nghệ sĩ dân ca Yolngu Daniel Wilfred thể hiện.

Vũ đạo và ca hát do một nhóm chủ yếu là nữ thể hiện, dựa trên các cử chỉ cổ điển Ấn Độ.

Phản ánh các cấp độ đào tạo, nhóm và tư thế biểu diễn khá lỏng lẻo — mặc dù các giáo viên Sukhi Krishnan và Aarthi Kamalesh đều thể hiện rõ nét qua biểu cảm khuôn mặt và thể lực.

Chưa rõ chính xác các cuộc trao đổi kịch tính mà các vũ công đang thể hiện, cho đến khi Wilfred tham gia biểu diễn một đoạn mime ngắn về việc câu cá trên bờ biển Arnhem với một cây giáo dài, được phản chiếu bởi nhóm lớn hơn.

Giọng hát của Wilfred xuyên qua sự pha trộn âm nhạc với sức mạnh và cường độ sắc nét.

Dự án BhuMeJha không hoàn hảo, nhưng rất xúc động.

Trong số các buổi biểu diễn tôi đã xem, chỉ có BhuMeJha là rõ ràng mang đậm nét của Boorloo-Perth. Trớ trêu thay, điều này lại đúng vì, giống như cá trê của Koo, nó ngầm ám chỉ các lịch sử toàn cầu về di cư và định cư. Do đó, nó ít chú trọng đến các yêu cầu melodrama về khả năng hiểu và quy mô.

Dự án BhuMeJha và Haribo Kimchi đều lớn trong việc gợi lên nhiều địa điểm và cảm xúc diễn ra tại đó một cách khiêm tốn. Chúng ta cần nhiều chương trình như vậy hơn.