Thoại độc quyền với Viện trưởng Viện Nghệ thuật Nhân dân Bắc Kinh Phùng Viễn Chính và danh thủ nhạc dây Diêu Ngọc: Chúng tôi rất kềm chế, không cho hiệu ứng đặc biệt "nuốt chửng" con người

Mỗi ngày ký giả｜Đinh Châu Dương  Tống Mỹ Lộ    Thực tập sinh Thường Tống Tư Thần    Biên tập viên Mỗi ngày｜Trần Tuấn Kiệt

3 đêm ngày 9 tháng 3, sau một ngày làm việc dày đặc về nhiệm vụ của Ủy ban Chính trị Hiệp thương Chính phủ, Yêu Quật và Phùng Viễn Chinh xuất hiện trước ống kính phỏng vấn của phóng viên 《Bản Tin Kinh Tế Hàng Ngày》 (gọi tắt là NBD).

Họ không có thời gian rảnh rỗi trong lịch trình, ngoài danh nghĩa Ủy viên Chính trị Hiệp thương toàn quốc, Phùng Viễn Chinh còn là người đầu tiên giữ chức Giám đốc Nghệ thuật của Nhà hát Nghệ thuật Nhân dân Bắc Kinh (tức “Nhà hát Nhân dân Bắc Kinh”) sau hơn 70 năm thành lập; Yêu Quật xuất thân từ gia đình âm nhạc, không chỉ là một trong những nghệ sĩ violin hàng đầu Trung Quốc, còn sáng lập Dàn nhạc dây Hồng Kông.

“Tôi thường xuyên hỏi thầy Phùng ‘bài học’ về cách hoàn thành nhanh chóng vai diễn trong một ngày? Dù sao, tư duy nghệ thuật trên sân khấu và logic quản lý hành chính hoàn toàn khác nhau.” Yêu Quật cảm khái. Thật ra, cô cũng chính là một “nghệ sĩ đa dạng” có thể tự do chuyển đổi nhiều vai trò. Đối mặt với thời đại mới, khán giả mới, người làm nghề mới, “không thể dựa vào danh tiếng để sống dựa vào thành tích cũ”, là thái độ chung của hai người.

Làm thế nào để đối mặt, làm thế nào để vượt qua? Trong cuộc phỏng vấn, Phùng Viễn Chinh nhiều lần nhấn mạnh từ “kiềm chế”, về cám dỗ của lượng truy cập, áp lực thương mại, phụ thuộc vào công nghệ… sáng tạo không thể dừng lại, nhưng nền tảng của sáng tạo luôn là con người.

Bên trái: Yêu Quật Bên phải: Phùng Viễn Chinh Ảnh do người phỏng vấn cung cấp

Ba lần khấu đầu vẫn chưa đủ cảm xúc — Khi 《Liang Zhu》 gặp 《Madama Butterfly》, xem 《Zhang Juzheng》 ra mắt tại Saint Petersburg

Nâng cao sức mạnh mềm văn hóa quốc gia, chìa khóa là đưa tác phẩm thực sự ra thế giới, thực hiện ra nước ngoài. Câu chuyện Trung Quốc, nhân vật lịch sử Trung Quốc có nền tảng đối thoại với thế giới, nhưng bên ngoài vẫn chưa hiểu rõ nghệ thuật Trung Quốc, còn tồn tại thành kiến lạc hậu, phiến diện. Chỉ khi được nhìn thấy, mới thực sự yêu thích, văn hóa ra nước ngoài không chỉ dựa vào kể chuyện bằng lời, mà còn phải chạm đến trái tim qua trải nghiệm chân thực.

NBD**：“Xây dựng quốc gia mạnh về văn hóa” là chủ đề hai ủy viên đều quan tâm, điều này có liên quan rất lớn đến công việc thực tiễn của hai người?**

**Yêu Quật：**Tôi hiểu “quốc gia mạnh về văn hóa” là mang nền văn hóa Trung Hoa xuất sắc ra thế giới. Tháng 11 năm ngoái, nhân dịp kỷ niệm 55 năm thiết lập quan hệ ngoại giao Trung Quốc-Ý, tôi dẫn dàn nhạc dây Hồng Kông đến Ý tổ chức chuyến lưu diễn chủ đề “Từ Madama Butterfly đến Liang Zhu”, trở thành đoàn nhạc Trung Quốc đầu tiên vào thành phố cổ đại cổ Bì-ô của thời trung cổ.

Chúng tôi lấy “hai con bướm” làm biểu tượng trung tâm, trong giai điệu lãng mạn của tác phẩm tiêu biểu 《Madama Butterfly》 của nhà soạn nhạc Puccini, tích hợp yếu tố truyền thống Trung Quốc trong vở nhạc kịch, đó là bản concerto violin 《Liang Zhu》 “Hóa bướm truyền kỳ”. Thời điểm đó, phản ứng tại Ý rất tích cực, đây không chỉ là giao lưu văn hóa giữa hai quốc gia mà còn là một buổi hòa nhạc. Chúng tôi còn biểu diễn tuyển tập các bài hát nổi tiếng trong phim Hồng Kông, khi kết thúc bản nhạc chủ đề của phim Lý Tiểu Long, khán giả Ý đứng dậy vỗ tay nhiệt liệt. Văn hóa Trung - Tây qua âm nhạc đã thực hiện sự kết nối liền mạch và ôm ấp nhiệt tình. Những cảnh tượng này khiến chúng tôi cảm nhận được sự cộng hưởng nghệ thuật, sự đồng cảm của trái tim.

Ảnh do người phỏng vấn cung cấp

**Phùng Viễn Chinh：**Nhìn về năm 2035, xây dựng quốc gia mạnh về văn hóa là trụ cột then chốt để thực hiện đại đoàn kết dân tộc Trung Hoa. Nếu nói cô Yêu dùng âm nhạc để xây cầu nối, thì chúng tôi “Nhà hát Nghệ thuật Nhân dân” chính là dùng câu chuyện truyền tải tâm tư.

Năm ngoái, chúng tôi đã mang vở kịch 《Zhang Juzheng》 đến Saint Petersburg. Từ thiết kế sân khấu đến trang phục, chúng tôi phát huy tối đa thẩm mỹ truyền thống Trung Quốc. Khán giả Nga không chỉ bị hấp dẫn bởi câu chuyện xuất sắc, còn thấy rõ hình ảnh một nhà cải cách chân thực, sống động, trong làn sóng biến đổi toàn cầu ngày nay, khiến họ cảm nhận sâu sắc về khó khăn và sự cần thiết của cải cách.

Sân khấu của chúng tôi trông có vẻ đơn giản, nhưng thực tế tinh xảo đến từng chi tiết: ba chiếc ghế rồng, mười cột trụ, một bức tường gạch cũ. Tuy nhiên, khi màn diễn mở tại Saint Petersburg, ngay cả các chuyên gia thiết kế sân khấu địa phương cũng đều bị chấn động. Ba chiếc ghế rồng này được sao chép tỉ mỉ theo nguyên mẫu Cố cung, kỹ thuật tinh xảo đến mức các chuyên gia địa phương đều “không dám chạm vào”. Khi kết thúc buổi biểu diễn, toàn bộ khán giả đứng dậy vỗ tay kéo dài, lễ bế mạc diễn ra ba lần, vẫn chưa thỏa mãn. Cuối cùng, tôi phải mời dịch giả lên sân khấu, tôi đã nói một đoạn, mới khép lại phần giao lưu sôi nổi này.

“Về hợp tác thương hiệu, chúng tôi luôn giữ kiềm chế” **Nghệ thuật không phải đặc quyền, mà là ánh sáng soi rọi cuộc sống

Từ hệ thống đánh giá nghệ thuật của người làm nghệ thuật, đến cách nghệ thuật cổ điển đi vào đời sống hàng ngày, điểm xuất phát và mục tiêu của Yêu Quật và Phùng Viễn Chinh luôn là con người.

NBD**：Năm nay, hai ủy viên đều cùng đề xuất về “Cơ chế đánh giá và khuyến khích nhân tài nghệ thuật”, theo các bạn, vì sao vấn đề này lại cấp bách như vậy?**

**Phùng Viễn Chinh：**Đề xuất của tôi tập trung vào xây dựng và hoàn thiện cơ chế thưởng và hỗ trợ dành cho các nghệ sĩ sân khấu. Thật lòng mà nói, các nghệ sĩ sân khấu của chúng ta rất cần cù, đã đạt được nhiều thành tích nổi bật, nhưng trong nước, các chế độ thưởng dành riêng cho nhóm này còn khá ít. Vì vậy, tôi kêu gọi thiết lập nhiều giải thưởng uy tín và dự án hỗ trợ dành cho nghệ sĩ tuyến đầu. Giải thưởng này không phải là về số tiền thưởng, mà là sự công nhận của quốc gia, không chỉ là vinh dự mà còn là niềm tin.

Ảnh do người phỏng vấn cung cấp

**Yêu Quật：**Thầy Phùng đề cập đến việc khuyến khích nhân tài sân khấu, năm nay tôi cũng đã gửi đề xuất liên quan. Vì hệ thống đánh giá nhân tài giữa Hong Kong và đại lục khác nhau, trong đó có các hạng diễn viên cấp một, các loại chức danh khác nhau, còn Hong Kong thì không. Tôi nghĩ các nghệ sĩ trẻ của Hong Kong cũng mong muốn phục vụ tốt hơn cho sự phát triển quốc gia, vì vậy tôi đề xuất làm thế nào để hệ thống đánh giá nhân tài nghệ thuật của đại lục có thể áp dụng tại Hong Kong, để thúc đẩy giao lưu giữa hai bên.

NBD**：Trong bối cảnh văn hóa hiện nay, các tổ chức nghệ thuật và cá nhân thường đối mặt với thử thách kép: một mặt phải đối mặt với áp lực vận hành thị trường, mặt khác phải nghĩ cách thực sự đi vào đời sống của đại chúng. Xin hỏi, trong lĩnh vực của các bạn, làm thế nào để cân bằng “giữ vững tiêu chuẩn nghệ thuật” và “giảm thiểu rào cản tham gia”? Các bạn đã đưa ra những lựa chọn then chốt nào để đảm bảo nghệ thuật không chỉ là đặc quyền của thiểu số, mà còn là sức mạnh nuôi dưỡng tinh thần của đại chúng?**

**Phùng Viễn Chinh：**Giá vé của Nhà hát Nghệ thuật Nhân dân Bắc Kinh đã duy trì mức giá rất thân thiện trong nhiều năm qua, thấp nhất là 80 nhân dân tệ, cao nhất cũng chỉ khoảng 680 nhân dân tệ. Giống như chúng tôi đã ra mắt vở “Hamlet” phiên bản dành cho giới trẻ tại phòng trà nhỏ, bốn diễn viên trẻ đã biểu diễn hơn 80 suất, giá vé chỉ 120 hoặc 280 nhân dân tệ. Nếu tính theo lợi nhuận kinh tế, giá vé này thực sự khó có lãi, nhưng chúng tôi có sân khấu riêng, không phải trả tiền thuê, tiết kiệm được khoản lớn chi phí. Vì vậy, trách nhiệm chính của chúng tôi vẫn là biểu diễn phục vụ cộng đồng, đồng thời nhà nước cũng cấp một số trợ cấp, ngoài ra chúng tôi còn tổ chức các chuyến lưu diễn thương mại để mang lại doanh thu cho nhà hát. Chúng tôi cũng làm một số sản phẩm phụ kiện, như khi biểu diễn 《Tào Tháo》, chúng tôi phát hành móc dán tủ lạnh, hợp tác với Wu Yutai đóng gói trà. Nhưng về hợp tác thương hiệu, chúng tôi luôn giữ kiềm chế.

**Yêu Quật：**Tôi sinh ra trong một gia đình âm nhạc ở Thượng Hải, cha tôi là nhạc sĩ nổi tiếng, chỉ huy Dàn nhạc Giao hưởng Thượng Hải. Dưới sự nghiêm khắc của ông, tôi bắt đầu học violin từ năm 4 tuổi, ngày nào cũng luyện tập 3 giờ không nghỉ. Thời nhỏ, tôi bị “đánh” để học đàn, cha bắt tôi chơi đàn, không chơi thì quỳ rửa mặt trong bảng chải quần áo nửa giờ.

Hiện tại, tôi cũng là mẹ của hai cô con gái, tôi không còn dùng cách giáo dục cứng rắn như trước nữa. Học đàn có những gian nan và nhàm chán, việc “quyết tâm cứng rắn” quá mức sẽ khiến trẻ mất hứng và kiên nhẫn. Tôi đã viết ra một bộ chương trình nhỏ dành cho trẻ, dùng phương pháp thú vị để giúp trẻ cảm nhận nhịp điệu, tạo không khí gia đình học âm nhạc, cha mẹ cùng học, ban đầu có thể cha mẹ học nhanh hơn, cuối cùng thường là con vượt qua cha mẹ. Phương châm của tôi rõ ràng: không phải mọi trẻ đều trở thành nghệ sĩ biểu diễn, nhưng mỗi trẻ đều có thể nhận được sự tự tin, thẩm mỹ và ý chí qua âm nhạc.

Niềm tin này cũng mở rộng trong “Chương trình năng lượng âm nhạc” của chúng tôi. Trong mười năm, chúng tôi đã giúp hơn 900 gia đình bình thường ở Hồng Kông mở cánh cửa âm nhạc cho con. Trong số đó, nhiều trẻ sống trong “nhà chia phòng”, là những không gian chật hẹp bị cắt thành từng khoang, toàn bộ căn nhà chỉ bằng kích thước của nhà vệ sinh, chật chội và áp lực. Nhưng trong những góc nhỏ khó xoay sở này, âm nhạc trở thành ánh sáng xuyên qua các vết nứt. Chúng tôi mang nhạc cụ vào cuộc sống của họ, chứng kiến từng nốt nhạc xuyên thủng những nơi tạm thời khó khăn, thắp sáng trái tim khao khát bay cao của các em.

“Tôi vào phòng diễn chỉ muốn thấy người” **Trung bình tuổi của khán giả “sinh sau 90” là “chín mươi”, xem 《Xiangzi Lạc Đà》 của “sinh sau 00”

Làm thế nào để nghệ thuật cổ điển thu hút giới trẻ? Đối với Yêu Quật và Phùng Viễn Chinh, cả người làm nghề trên sân khấu lẫn khán giả dưới sân khấu đều đã thay đổi. Nghệ thuật cổ điển đến ngày hôm nay không đơn thuần là giữ gìn truyền thống, nhưng cốt lõi của sân khấu vẫn là con người.

NBD**：Chúng ta vừa bàn về cách nghệ thuật “đào sâu xuống dưới” để phục vụ đại chúng, giờ muốn nói về cách nghệ thuật “phát triển lên trên” để đón nhận thời đại. Trong quá trình thúc đẩy “trẻ hóa” và “hiện đại hóa” nghệ thuật, các bạn làm thế nào để phân định ranh giới giữa đổi mới và giữ nguyên bản chất? Trước tác động của công nghệ mới, các bạn kiên trì giữ “đường ranh” nào?**

**Phùng Viễn Chinh：**Hiện nay, phần lớn khán giả đến Nhà hát Nghệ thuật Nhân dân Bắc Kinh là “sinh sau 90”, khán giả trẻ xem kịch không hoàn toàn vì thần tượng, họ có diễn viên yêu thích riêng, nhưng quan trọng hơn là thích hình thức kịch nói. Sự thay đổi của khán giả diễn ra khoảng năm 2020, tôi cho rằng đó là quá trình tự nhiên của sự tiến hóa, không phải chúng tôi cố ý “dụ dỗ” hay “chiều theo”.

Năm ngoái, chúng tôi biểu diễn 《Xiangzi Lạc Đà》 theo đúng phiên bản mà Nhà hát Nghệ thuật Nhân dân Bắc Kinh đã biểu diễn năm 1957, từ thiết kế sân khấu, trang phục, trang điểm, biểu diễn đều tôn vinh các giá trị cổ điển nhất, nhưng diễn viên nhỏ tuổi nhất của chúng tôi là “sinh sau 00”, lớn nhất là “sinh sau 80”, trung bình là “sinh sau 90”. Ban đầu tôi nghĩ rằng vở này có thể không được khán giả đón nhận, tỷ lệ người xem chỉ khoảng 60-70%, tôi còn nói với các diễn viên trẻ, quan trọng nhất là để khán giả biết đến các em qua vở này, không ngờ tỷ lệ người xem đạt trên 90%. Nhà hát Nghệ thuật Nhân dân Bắc Kinh từng có vở kịch kinh điển 《Gió Tuyết Đêm Quay Người》, chúng tôi cũng đã phục chế lại, kết hợp yếu tố hiện đại trong thiết kế sân khấu, trang phục mang phong cách dân quốc pha chút “Trang phục Hán mới”, đều rất được khán giả trẻ yêu thích.

Vì vậy, sân khấu ngày nay không phải là giữ nguyên truyền thống một cách máy móc, mà phải kết hợp với hiện tại, tích hợp công nghệ để nâng cao nghệ thuật, nhưng chúng tôi không chạy theo mốt thời thượng. Chúng tôi không dùng đa phương tiện để chiếm lĩnh sân khấu, không dùng ánh sáng, âm thanh, điện tử để “nuốt chửng” diễn viên, rất kiềm chế các hiệu ứng sân khấu bắt mắt. Tôi nghĩ, khi mọi người bước vào nhà hát, điều quan trọng nhất vẫn là nhìn thấy con người, giống như tôi đi nghe hòa nhạc của cô Yêu, không chỉ nghe tiếng đàn, mà còn phải thấy cô ấy biểu diễn trực tiếp, nếu không thấy mặt cô ấy, đó không còn là nghệ thuật sân khấu nữa, nghệ thuật sân khấu vẫn là nghệ thuật của con người.

**Yêu Quật：**Thầy Phùng nói rất đúng. Đổi mới và giữ gìn truyền thống cũng là hai mặt của âm nhạc cổ điển. Bạn biểu diễn tác phẩm gì? Những tác phẩm đó có thể gây cảm xúc đồng điệu với khán giả đương đại không? Dàn nhạc dây của chúng tôi luôn tìm tòi con đường mới, ví dụ tôi thích kết hợp âm nhạc phổ biến và cổ điển. Trong quá trình hợp tác với ca sĩ nổi tiếng, tôi đã học hỏi rất nhiều, điều này giúp tôi thể hiện nghệ thuật đa dạng hơn. Còn việc chuyển thể các giai điệu phổ biến thành tác phẩm dây đàn nghiêm túc, đòi hỏi chúng tôi phải hiểu sâu về bản chất âm nhạc.

Dù là công nghệ tiên tiến hay trí tuệ nhân tạo, chúng đều là trợ thủ đắc lực, chứ không phải trung tâm. Nhân vật chính của phòng hòa nhạc vẫn luôn là nhạc sĩ và tác phẩm của họ. Giá trị của công nghệ nằm ở chỗ giúp khán giả có thể bước vào tác phẩm một cách tưởng tượng phong phú, thâm nhập sâu sắc, chứ không phải để làm lu mờ hoặc chiếm lĩnh.

“Cuộc đời hai mặt” của nghệ sĩ — “Trong giai đoạn chuyển giao giữa cũ và mới, chỉ còn cách mệt mỏi như thế này”

Sân khấu là tấm gương phản chiếu thực tế. Hiện nay, Nhà hát Nghệ thuật Nhân dân Bắc Kinh vẫn kiên trì “biểu diễn không micro”, “để khán giả hàng ghế cuối nghe rõ lời thoại” là yêu cầu cơ bản của mọi diễn viên Nhà hát.

NBD**：Ngoài danh nghĩa diễn viên, nhạc sĩ, các bạn còn đảm nhận các công việc khác, các bạn tự định nghĩa thế nào về cuộc đời nghệ sĩ của mình? Việc tham gia các nghề này có ảnh hưởng gì đến sáng tạo nghệ thuật của các bạn không?**

**Phùng Viễn Chinh：**Từ nhỏ, tôi đã yêu nghệ thuật, theo đuổi nghệ thuật, trải qua giai đoạn chưa được công nhận rồi mới được công nhận. Thời gian chưa được công nhận, đối với thế hệ chúng tôi, là tự tìm vấn đề của chính mình. Ví dụ, tôi là diễn viên có ngoại hình trung bình, nên tôi cố gắng học diễn xuất để bù đắp điểm yếu ngoại hình. Khi thực sự bước vào ngành diễn xuất, đặc biệt là vào Nhà hát Nghệ thuật Nhân dân Bắc Kinh, tôi nghĩ mình phải trở thành một diễn viên tốt, nếu có thể, còn muốn trở thành nghệ sĩ như Thư Tử.

Trước năm 2015, tôi còn là người khá nhạt nhòa trong nhà hát, chưa nghĩ đến việc gánh vác trách nhiệm lớn, nhưng khi các đàn anh đàn chị nghỉ hưu, tôi nhận thức rõ mình phải gánh vác. Năm 2016, tôi làm trưởng nhóm diễn viên, bắt đầu có trách nhiệm với nhà hát. Tự nhiên, tôi không thích cách người khác không cố gắng, sau đó tôi làm phó giám đốc, nhưng chỉ phụ trách một bộ phận. Đến khi cựu giám đốc đột ngột qua đời, tổ chức đề cử tôi làm giám đốc, lúc đó tôi còn dự định nghỉ hưu vài tháng… Nhưng rồi, tôi nhận nhiệm vụ giám đốc, mới biết không dễ dàng như tưởng tượng.

Khó nhất là hai năm qua, vừa làm quản lý, vừa diễn, vừa dàn dựng vở mới, khiến tôi mất ngủ triền miên. Trước khi làm giám đốc, tóc tôi còn đen, giờ đã bạc. Không có gì để than vãn, vì đã nhận rồi thì phải làm. Từ năm 2024, Nhà hát Nghệ thuật Nhân dân bắt đầu thử nghiệm nhịp độ sản xuất tối đa, mọi người làm việc quá tải. Mỗi năm ít nhất 35 vở kịch, rồi 8-9 vở mới, năm ngoái chúng tôi đã dàn dựng 11 vở mới, năm nay 9 vở, tổng số buổi biểu diễn trên 500, doanh thu cao nhất trong lịch sử. Từ đó, tôi cảm thấy những nỗ lực của mình cũng có thành quả.

Gánh vác vai trò giám đốc và diễn viên là điều khó cân bằng nhất, chỉ còn cách cố gắng chịu đựng đến ngày hôm nay. Tôi thường mơ về cuộc sống sau nghỉ hưu, muốn ngủ một tháng, không ai quấy rầy, nhưng hiện tại chưa thể. Ví dụ, tôi diễn 《Zhang Juzheng》, là người cuối cùng rút khỏi sân khấu, điều này trước đây không thể. Tôi dậy trước 7 giờ sáng, đến nhà hát xử lý công việc trong ngày, rồi tập luyện, tối còn phải diễn vở khác, về nhà gần 12 giờ đêm. Nhiều năm như vậy, đồng nghiệp đều nói công việc này rất vất vả, nhưng nghĩ đến thầy Viễn Chinh, cũng thấy không mệt. Tôi nói các bạn đừng bắt chước tôi, hiện tại là giai đoạn chuyển giao đặc biệt của Nhà hát Nghệ thuật Nhân dân Bắc Kinh, các diễn viên “sinh sau 60” lần lượt nghỉ hưu, xem các em có thể gánh vác nổi hay không, còn phải đợi vài năm nữa. Vì vậy, tôi chỉ còn cách cố gắng chịu đựng.

**Yêu Quật：**Tôi và thầy Viễn Chinh cùng trong một nhóm tại hai kỳ họp Ủy ban Chính trị Hiệp thương, việc chuyển giao thế hệ là trọng tâm trong công việc của ông trong những năm gần đây. Tôi còn hỏi thầy, làm thế nào để trong một ngày có thể nhanh chóng chuyển đổi vai diễn. Bởi vì, trong sân khấu, bộ não của chúng ta dùng để diễn xuất khác hoàn toàn với làm hành chính. Nếu sáng không luyện đàn, xử lý công việc hành chính, chiều lại luyện tập, tôi sẽ không thể tập trung. Hiện tại, tôi thường luyện đàn 3 giờ buổi sáng, cố gắng sắp xếp các công việc khác sau đó, để đảm bảo trạng thái biểu diễn tốt nhất.

Thật ra, nếu nói về chuyển đổi vai diễn, tôi xa sân khấu lâu nhất là khi làm mẹ. Vai làm mẹ đã phân tán thời gian và năng lượng của tôi cho âm nhạc. Sau này, tôi xem việc làm mẹ như một trải nghiệm cuộc đời, giúp tôi thể hiện và hiểu rõ hơn về âm nhạc. Những ngọt ngào, cay đắng trong cuộc sống, tôi đều có thể biểu đạt qua âm nhạc. Vì vậy, tôi không coi đó là “thời gian rác”, mà là những thời khắc giúp tôi trưởng thành hơn.