Comment le mélodrame est devenu le thème qui traverse le Festival de Perth 2026

(MENAFN- The Conversation) L’universitaire de théâtre Peter Brooks a défendu la montée du mélodrame en tant que forme populaire remplaçant la tragédie. Selon lui, le mélodrame tend à être explicite et hyperbolique dans sa représentation des valeurs émotionnelles et morales.

Une telle tendance dans les arts à dépeindre les extrêmes de la vie émotionnelle, de manière claire et ostentatoire, était visible lors du Perth Festival 2026.

Dans Lacrima, les acteurs jouent sur scène à côté de gros plans et extraits filmés projetés. En revanche, Songs of the Bulbul d’Aakash Odedra est une danse solo accompagnée d’une musique romantique préenregistrée.

Ils se ressemblent néanmoins. Tous deux racontent une narration tumultueuse. Dès le début, nous savons que ces histoires se termineront par la rupture psychophysique et l’auto-immolation des protagonistes.

Le personnage central de Lacrima est la responsable d’un studio de couture (interprétée par Maud LeGrevellec). Elle est prise entre des délais impossibles, son subalterne/husband resentful (Dan Artus), et la crise mentale croissante de leur fille.

Dans Songs of the Bulbul, Odedra est un oiseau chanteur, privé de lumière et aveuglé par son propriétaire, afin qu’il chante de manière plus plaintive et exquise.

Les deux productions utilisent des physicalités exagérées pour transmettre leur message. Des voix aiguës, des cris ouverts et des postures tendues et agressives annoncent la chute physique finale dans Lacrima. Nous assistons aux pirouettes de plus en plus anguiseantes et aux trajectoires tordues du danseur pour Odedra. Les grands gestes coïncident avec des climax d’intensité dramatique.

Les Red Shoes proposent une approche moins sérieuse de l’émotion et du caractère excessifs.

Melissa Madden Gray utilise sa persona diva exubérante Meow Meow pour se moquer d’elle-même et des conventions.

Grimpant sur un mont de débris, assemblant et désassemblant des costumes, et parlant de Hans Christian Andersen, la pièce se termine avec la distribution alignée devant, comme dans la fin d’un mariage d’une comédie shakespearienne. Ici, une mélodrame de collapse et de renaissance incertaine, plus autocentrée et comique.

Le bizarre et le bruyant

La nouvelle œuvre de The Last Great Hunt commence avec la proposition absurde de monter un « faux film étranger joué en direct chaque nuit ».

Avec des configurations de tournage complexes rapidement installées sur scène, Le Nør (La Pluie) est entièrement joué dans une langue norvégienne fictive dans un univers fictif inspiré de la vidéo colorée des années 1980, des costumes et du maquillage.

Des amitiés romantiques et des enchevêtrements sont découverts, brisés et reconfigurés dans une série de révélations rapides avant que la distribution ne se rassemble pour une orgie floue à l’écran.

Un excellent exemple de bêtise hyperbolique et habile.

Un favori personnel était U>N>I>T>E>D de Chunky Move, une mime cybernétique spectaculairement étrange et bruyante, avec des danseurs se déplaçant dans l’obscurité pendant que la musique industrielle indonésienne de Gabber Modus Operandi pulvérise l’espace.

Les performers portent des exosquelettes modulaires quasi-cybernétiques, leur donnant une apparence arachnéenne. L’arc dramatique mène à ce que ses personnages soient sacrifiés physiquement à un dieu techno-primitif.

Cela n’a pas beaucoup de sens, mais c’est palpitant dans ses sauts dramatiques d’un tableau à l’autre.

Les Tiger Lillies, à bien des égards, ressemblent à Chunky Move : ce que vous voyez et entendez est essentiellement ce que vous obtenez, amplifié ici par des paroles sur des âmes malmenées et des moments d’intensité rythmique.

Leurs chansons amorales sur la vie dans la rue sont présentées sous forme de sketches lyriques épisodiques, plutôt que par la poésie psychologique et politique complexe de Brecht.

Atteindre le tragique

Il y avait des œuvres méditatives et tragiques dans le festival.

La fin de Joseph K à la conclusion de l’opéra de Philip Glass, adaptation de Kafka de La Procès, est annoncée dès le début. Mais la narration de l’opéra et l’alternance de blocs de musique répétitive laissent beaucoup de temps pour le voir lutter. K est représenté musicalement et dramatiquement comme un insecte se tortillant sur sa propre épingle à spécimen.

J’ai été particulièrement enchanté par l’étude intime de Jaha Koo sur la migration, l’aliénation et l’ambivalence de la mémoire dans Haribo Kimchi.

Le décor est inspiré d’un restaurant extérieur coréen, où Koo retrace son parcours de la Corée à Berlin puis à Bruxelles.

La parole alternait avec de courts films et animations projetés sur des écrans de chaque côté de sa kitchenette modeste.

Koo raconte comment le sac de kimchi fermenté que sa famille l’a poussé à emporter à Berlin a explosé, son parfum et son jus imprégnant son immeuble. Cela lui a enseigné la honte de l’immigrant.

Pourtant, le kimchi représente la maison, tout comme d’autres plats délicieux que Koo cuisine en direct et distribue aux spectateurs curieux.

Koo décrit aussi un retour en Corée où il a visité une ferme d’anguilles et aidé à capturer plusieurs évasifs serpentins. À l’écran, une anguille animée, chantante, à haute voix, raconte comment les anguilles naissent au centre de l’océan, mais mûrissent dans des eaux intérieures : elles n’ont pas une seule maison, mais plusieurs.

On voit aussi un escargot que Koo a trouvé dans sa laitue, qu’il a gardé un temps avant de le relâcher ; et un ourson en gomme Haribo qui enchevêtre la narration simple de Koo dans des fantasmes issus de la réalité quotidienne.

Cette œuvre mélancolique est presque l’inverse du mélodrame. La seule chute corporelle ici était la mienne, alors que je versais discrètement une larme pour la chanson de l’anguille.

Le multiculturalisme, à la mode de Boorloo

Le BhuMeJha Project était une soirée de performances et de gastronomie organisée par l’organisation culturelle et artistique Saraswati Mahavidhyalaya.

Présentée dans un cercle de vieux gummas près de la rivière, le simple fait d’y arriver au coucher du soleil était émouvant.

La musique comprenait le violon Carnatique et des voix du directeur musical Hariraam Lam ; le violon malaisien et le frame-drum de Mohammad Hisharudy ; le tabla indien de Sivakumar Balakrishnan ; et, de façon particulièrement marquante, les chansons, le clapstick et la chorégraphie autochtone australienne autorisée, courtesy de Yolngu songman Daniel Wilfred.

La danse et le chant étaient assurés par un ensemble majoritairement féminin, s’appuyant sur des gestes classiques indiens.

Reflétant divers niveaux de formation, les groupes et poses tendent à être lâches — bien que les enseignants Sukhi Krishnan et Aarthi Kamalesh soient tous deux expressifs et physiquement précis.

Ce que les danseurs jouent comme échange dramatique reste obscur jusqu’à ce que Wilfred rejoigne pour une brève mime de pêche sur la côte d’Arnhem Land avec une longue lance, en miroir avec le groupe plus large.

Les voix de Wilfred percent la fusion musicale avec force et intensité.

Le BhuMeJha Project n’est pas parfait, mais il est très émouvant.

Parmi les spectacles que j’ai vus, seul BhuMeJha était indéniablement de Boorloo-Perth. Ironiquement, cela était vrai parce que, comme les anguilles de Koo, il faisait indirectement référence à des histoires mondiales de déplacement et de colonisation. En conséquence, il prêtait peu d’attention aux impératifs mélodramatiques de lisibilité ou d’échelle.

Le BhuMeJha Project et Haribo Kimchi sont grands dans leur modeste évocation de multiples lieux et des émotions qui s’y déploient. Nous avons besoin de plus de spectacles comme ceux-là.