Entretien exclusif avec Feng Yuanzheng, directeur du Théâtre de Pékin, et Yao Jue, maître du quatuor à cordes : nous sommes très retenues, nous ne laissons pas les effets spéciaux « dévorer » les acteurs

Chaque jour, le journaliste｜Ding Zhouyang Song Meilu stagiaire Chang Songzishen éditeur｜Chen Junjie

Le soir du 9 mars, après une journée intense consacrée à l’exercice des fonctions au sein du Conseil national, Yao Jue et Feng Yuanzheng sont apparus devant la caméra d’un intervieweur du « Quotidien Économique » (ci-après NBD).

Leur emploi du temps n’avait aucune pause. En plus de leur rôle de membres du Conseil national, Feng Yuanzheng est le premier acteur-directeur artistique de l’Opéra de Beijing (c’est-à-dire « Théâtre d’art populaire de Beijing ») depuis plus de 70 ans ; issu d’une famille de musiciens, Yao Jue est non seulement l’un des meilleurs violonistes de Chine, mais aussi la fondatrice de l’orchestre de cordes de Hong Kong.

« Je consulte souvent le directeur Feng pour apprendre comment effectuer un changement de rôle ultra-rapide en une journée. Après tout, la pensée artistique sur scène et la logique de gestion administrative relèvent de zones cérébrales complètement différentes », confie Yao Jue. En réalité, elle n’est pas moins une « artiste à multiples casquettes » qui navigue aisément entre plusieurs identités. Face à la nouvelle ère, aux nouveaux spectateurs, aux nouveaux professionnels, leur attitude commune est : « On ne peut pas se reposer sur une réputation pour dormir sur ses lauriers. »

Gauche : Yao Jue Droite : Feng Yuanzheng Photo fournie par les interviewés

**Trois fois la scène, l’envie de continuer persiste ** Quand « Liang Zhu » rencontre « Madame Butterfly », et que « Zhang Juzheng » fait son apparition à Saint-Pétersbourg

Renforcer la soft power culturelle nationale, c’est avant tout faire connaître réellement ses œuvres à l’échelle mondiale, les faire atterrir à l’étranger. Les histoires et personnages historiques chinois ont une base pour dialoguer avec le monde, mais l’art chinois reste encore peu connu à l’extérieur, avec des préjugés dépassés ou biaisés. Ce n’est qu’en étant visible que l’on peut véritablement être apprécié. La culture ne doit pas seulement se raconter oralement, mais aussi toucher le cœur par une expérience authentique.

NBD : « La puissance culturelle d’un pays est un sujet qui vous tient à cœur toutes les deux. Cela doit être très lié à votre pratique professionnelle, non ? »

Yao Jue : Je comprends la « puissance culturelle » comme celle qui consiste à porter la grande culture chinoise dans le monde. En novembre dernier, à l’occasion du 55e anniversaire de l’établissement des relations diplomatiques entre la Chine et l’Italie, j’ai conduit l’orchestre de cordes de Hong Kong en Italie pour une tournée thématique « De Madame Butterfly à Liang Zhu ». L’orchestre de Hong Kong est devenu le premier groupe chinois à se produire dans la vieille ville médiévale de Gubbio.

Nous avons utilisé « Deux papillons » comme symbole central, intégrant dans la mélodie lyrique de l’œuvre emblématique de Puccini, « Madame Butterfly », des éléments du théâtre traditionnel chinois Yueju, notamment le concerto pour violon « La légende du papillon » inspiré de « Liang Zhu ». La réaction en Italie a été exceptionnelle, ce qui a permis un échange culturel entre nos deux pays, bien plus qu’un simple concert. Nous avons aussi joué un medley de chansons célèbres du cinéma hongkongais. Après la fin du thème de Bruce Lee, le public italien s’est levé pour applaudir avec enthousiasme. À cet instant, la culture sino-occidentale s’est fusionnée et a été chaleureusement accueillie par la musique. Ces moments nous ont fait ressentir la résonance artistique, la connexion des cœurs.

Photo fournie par les interviewés

Feng Yuanzheng : En regardant vers 2035, construire une puissance culturelle est une étape clé pour réaliser la grande renaissance de la nation chinoise. Si Yao est comme un pont construit par la musique, alors notre « Art Theatre de Beijing » transmet des voix à travers des histoires.

L’an dernier, nous avons porté la pièce « Zhang Juzheng » à Saint-Pétersbourg. De la scénographie aux costumes, nous avons exploité au maximum l’esthétique traditionnelle chinoise. Les spectateurs russes ont été non seulement captivés par l’histoire, mais aussi ont vu un portrait tridimensionnel et authentique d’un réformateur. Dans la vague de changements mondiaux actuels, ils ont ressenti la difficulté et la nécessité de la réforme.

Notre scène paraît simple, mais est d’une finesse extrême : trois trônes de dragon, dix colonnes, un vieux mur de briques. Pourtant, lorsque le rideau s’ouvre à Saint-Pétersbourg, même les experts locaux en scénographie sont impressionnés. Ces trois trônes de dragon sont une reproduction précise d’un objet du Palais Impérial, avec un artisanat si exquis que même les professionnels locaux hésitent à y toucher. À la fin, le public a longuement applaudi debout, la cérémonie de clôture a été répétée trois fois, sans que l’on en ait assez. Finalement, j’ai dû inviter le traducteur à monter sur scène pour prononcer un mot, clôturant cette belle interaction.

« Sur la collaboration commerciale, nous faisons toujours preuve de retenue » L’art n’est pas un privilège, c’est la lumière qui éclaire la vie

Du système d’évaluation des artistes à la façon dont l’art classique pénètre dans chaque foyer, le point de départ et d’arrivée de Yao Jue et Feng Yuanzheng reste toujours l’humain.

NBD : « Vos propositions cette année convergent toutes deux vers le thème de ‘l’évaluation et de l’incitation des talents artistiques’. Pourquoi cette question vous paraît-elle si urgente ? »

Feng Yuanzheng : Ma proposition porte sur la construction et l’amélioration d’un mécanisme de récompense et de soutien pour les artistes du théâtre. Franchement, nos artistes dramatiques sont très dévoués et ont obtenu de brillants résultats, mais en Chine, il existe peu de récompenses officielles spécifiques pour ce groupe. Je propose donc de créer davantage de prix et de programmes de soutien pour les artistes de première ligne. Ces récompenses ne sont pas seulement financières, mais surtout une reconnaissance nationale, une source de confiance et de fierté.

Photo fournie par les interviewés

Yao Jue : Feng a évoqué l’encouragement aux talents du théâtre. Cette année, j’ai aussi soumis une proposition sur ce sujet. La différence entre l’évaluation en Hong Kong et en Chine continentale est notable : en Chine, il y a des grades d’acteurs et divers titres, alors qu’à Hong Kong, il n’y en a pas. Je pense que les jeunes artistes hongkongais souhaitent mieux servir le développement national. Je propose donc de faire en sorte que le mécanisme d’évaluation des talents chinois puisse s’appliquer à Hong Kong, pour renforcer les échanges entre nos deux régions.

NBD : Dans le contexte culturel actuel, les institutions artistiques et les artistes individuels font face à des défis doubles : d’un côté, la pression du marché, de l’autre, la nécessité de toucher le grand public. Comment, dans vos domaines respectifs, équilibrez-vous « la fidélité à la qualité artistique » et « la réduction des barrières à la participation » ? Quelles décisions clés avez-vous prises pour que l’art ne reste pas un privilège réservé à une élite, mais devienne une force nourrissant la vie spirituelle du peuple ?

Feng Yuanzheng : Le prix des billets à l’Opéra de Beijing est resté très abordable depuis des années, allant de 80 à 680 yuans. Par exemple, notre version jeune de « Hamlet » dans un petit théâtre a été jouée plus de 80 fois, avec deux tarifs : 120 et 280 yuans. Sur le plan économique, ce tarif est difficile à rentabiliser, mais comme nous possédons notre propre théâtre, sans payer de loyer, cela réduit considérablement nos coûts. Notre priorité est de faire des représentations pour le public, tout en recevant des subventions nationales. Nous faisons aussi des tournées pour générer des revenus, et proposons des produits dérivés. Lors de la représentation de « Teahouse », nous avons lancé des magnets, en partenariat avec Wu Yutai pour l’embouteillage du thé. Mais nous restons très prudents sur les collaborations commerciales.

Yao Jue : Je suis née dans une famille de musiciens à Shanghai. Mon père, le célèbre musicien et chef d’orchestre du Shanghai Film Orchestra, Yao Di, m’a fait commencer le violon à 4 ans, avec une discipline rigoureuse : trois heures de pratique quotidienne sans exception. Enfant, j’ai été « punie » pour apprendre la musique : mon père me forçait à jouer, sinon je devais rester à genoux sur une planche à laver pendant une demi-heure.

Aujourd’hui, je suis mère de deux filles. Je ne leur enseigne plus comme mon père l’a fait, avec dureté et monotonie. La pratique instrumentale est difficile et parfois ennuyeuse, une discipline trop stricte peut faire perdre l’intérêt et la patience. J’ai créé un programme pour enfants, utilisant des méthodes ludiques pour leur faire ressentir le rythme, instaurer une atmosphère musicale familiale. Parents et enfants apprennent ensemble : au début, les parents progressent plus vite, puis ce sont souvent les enfants qui dépassent. Ma conviction est claire : tous les enfants ne deviendront pas forcément des musiciens professionnels, mais chacun peut, à travers la musique, gagner en confiance, en sens esthétique et en volonté.

Cette croyance s’est aussi étendue à notre « Plan d’énergie musicale ». En dix ans, nous avons aidé 900 familles ordinaires à ouvrir la porte à la musique. Beaucoup vivent dans des « cubicles » (appartements divisés par des cloisons), de petites pièces à peine plus grandes qu’une salle de bain, étouffantes et exiguës. Pourtant, dans ces espaces confinés, la musique devient une lumière qui perce les fissures. Nous avons introduit des instruments dans leur vie quotidienne, témoignant de la façon dont les notes traversent ces lieux difficiles pour illuminer des cœurs aspirant à s’envoler.

« Quand j’entre en salle, je veux voir des gens » L’âge moyen des spectateurs est « 90 », regardant « 00 » jouer « Xiangzi le chameau »

Comment l’art classique peut-il attirer la jeunesse ? Pour Yao Jue et Feng Yuanzheng, les artistes sur scène et le public hors scène ont tous changé. La culture classique d’aujourd’hui ne se limite pas à la simple tradition, mais le cœur du théâtre reste l’humain.

NBD : « Nous avons évoqué tout à l’heure comment l’art peut « s’enraciner » pour servir le peuple. Parlons maintenant de comment il peut « grandir » pour embrasser l’époque. Lors de la promotion de la jeunesse et de la modernisation de l’art, comment délimitez-vous la frontière entre innovation et fidélité à l’essence ? Face à l’impact des nouvelles technologies, quelle est votre « ligne rouge » ? »

Feng Yuanzheng : Aujourd’hui, c’est surtout le public « 90 » qui fréquente le plus le théâtre de la « Beijing Renyi ». Ces jeunes ne viennent pas uniquement pour idolâtrer leurs acteurs préférés, ils aiment aussi la forme du théâtre. Leur changement s’est produit vers 2020, et je pense que c’est une évolution naturelle, pas une volonté de « plaire » ou de « nourrir » le public.

L’année dernière, nous avons joué « Xiangzi le chameau », basé sur la version de 1957 de la Beijing Renyi. La scénographie, les costumes, le maquillage, la performance : tout rend hommage à l’originale. Pourtant, nos acteurs les plus jeunes ont « 00 » et les plus âgés « 80 », la moyenne étant « 90 ». Je craignais que le public n’accroche pas, et que le taux de fréquentation tourne autour de 60-70 %. Je disais aussi aux jeunes acteurs : « Faites d’abord connaître votre nom avec cette pièce. » Surprise : le taux d’assistance a dépassé 90 %. En 1957, la Beijing Renyi a créé un classique, « La nuit de vent et de neige », que nous avons aussi ressuscité, avec une scénographie moderne, un costume mêlant style républicain et « Hanfu moderne », et cela a aussi séduit un jeune public.

Ainsi, le théâtre d’aujourd’hui ne se limite pas à la simple tradition. Nous devons nous connecter à l’époque, intégrer la technologie pour enrichir l’art, mais sans céder à la mode passagère. Nous évitons d’utiliser des multimédias envahissants ou des effets lumineux qui « mangent » les acteurs. La retenue est essentielle. Je pense que la chose la plus importante pour le spectateur, c’est de voir des gens. Comme lorsque je vais écouter le concert de Yao Jue : ce n’est pas seulement le son du violon qui compte, mais la présence de l’artiste. Le théâtre, c’est l’art des personnes.

Yao Jue : Tout à fait. L’innovation et la fidélité sont deux faces d’une même pièce dans la musique classique. Quel répertoire interprétez-vous ? Ces morceaux peuvent-ils résonner avec le public contemporain ? Notre orchestre cherche toujours à explorer de nouvelles voies. Par exemple, j’aime fusionner musique populaire et classique. Collaborer avec des chanteurs populaires m’a permis d’enrichir mon expression artistique, la rendant plus tridimensionnelle. Adapter des mélodies populaires en œuvres de cordes exige une compréhension profonde de la musique elle-même.

Que ce soit la technologie de pointe ou l’intelligence artificielle, ce ne sont que des outils d’aide, pas les acteurs principaux. La star du théâtre musical, c’est toujours le musicien et son œuvre. La technologie doit aider le public à entrer dans l’univers de la pièce, à mieux l’imaginer et la ressentir, sans la dominer.

La double vie de l’artiste « Dans cette période de transition entre anciens et nouveaux, on ne peut que continuer à se fatiguer »

Le théâtre est un miroir qui reflète la réalité. Aujourd’hui, la Beijing Renyi maintient le principe du « sans micro » : « Que le dernier rang entende clairement les dialogues » est une exigence fondamentale pour chaque acteur.

NBD : « En plus de votre rôle d’acteur et de musicien, vous assumez d’autres responsabilités. Comment définissez-vous votre vie d’artiste ? Entrer dans ces carrières influence-t-il votre création artistique ? »

Feng Yuanzheng : Depuis mon jeune âge, j’aime l’art, je le poursuis. J’ai traversé des phases de reconnaissance et de rejet. Le rejet m’a permis de me remettre en question. Par exemple, en tant qu’acteur, j’ai une apparence ordinaire, alors j’ai travaillé dur pour améliorer ma performance, pour compenser cette faiblesse. Une fois intégré à l’Opéra de Beijing, j’ai voulu devenir un bon acteur, puis un artiste à part entière, comme le professeur Yushi.

Avant 2015, j’étais plutôt désinvolte à la Renyi, je ne pensais pas prendre de responsabilités importantes. Mais quand mes aînés ont commencé à prendre leur retraite, j’ai compris que c’était à moi de prendre le relais. En 2016, je suis devenu chef de l’équipe d’acteurs, et j’ai ressenti un sens de responsabilité. Je ne supporte pas que les autres ne fassent pas d’efforts. Plus tard, j’ai été nommé vice-directeur, mais je ne voulais pas me limiter à un seul département. La mort soudaine de notre ancien directeur m’a poussé à devenir directeur. J’étais sur le point de prendre ma retraite, mais j’ai accepté. La charge de directeur n’est pas facile.

Les deux dernières années ont été très difficiles : je devais jouer, diriger, préparer de nouvelles pièces, dormir peu. Avant d’être directeur, j’avais les cheveux noirs, maintenant ils sont blancs. Je n’ai pas à me plaindre, car j’ai accepté la responsabilité. Depuis 2024, la Renyi a adopté un rythme de production maximal : au moins 35 pièces par an, avec 8 ou 9 nouvelles. L’année dernière, nous avons joué plus de 500 représentations, avec un record de recettes. Tout cela montre que nos efforts ont porté leurs fruits.

Être à la fois acteur et directeur, c’est un équilibre difficile. Je tiens bon, mais je rêve souvent de ma retraite : dormir un mois, ne rien faire. Mais ce n’est pas encore possible. Par exemple, pour « Zhang Juzheng », je suis le dernier à apprendre mes répliques. Avant, c’était impensable. Je me lève avant 7 heures, je vais au théâtre pour une journée de travail, puis je répète, puis je joue un autre spectacle le soir, et je rentre à minuit. Cela dure depuis des années. Mes collègues disent que c’est dur, mais en regardant Feng Yuanzheng, je me dis que ce n’est pas si fatiguant. Je leur dis : « Ne me suivez pas. » Nous sommes dans une période de transition entre générations. Les acteurs « 60 » prennent leur retraite, et il faut voir si les jeunes peuvent prendre la relève. Je dois continuer à tenir.

Yao Jue : Feng et moi faisons partie de la même commission du Conseil. La succession des générations est une priorité pour lui ces dernières années. Je lui ai aussi demandé comment changer rapidement de rôle en une journée. Sur scène, le cerveau utilisé est très différent de celui de la gestion. Si je ne pratique pas le violon le matin, je ne peux pas me concentrer sur la gestion. Je consacre généralement trois heures le matin à la pratique, puis je m’occupe des autres tâches après. Cela me permet d’être en forme pour jouer.

En réalité, la plus longue période où j’ai été hors scène, c’est quand je suis devenue mère. Le rôle de mère a dispersé mon temps et mon énergie pour la musique. Mais quand je suis revenue sur scène, j’ai considéré cette expérience comme une richesse, une nouvelle compréhension de la musique. Les joies et peines de la vie, je peux les exprimer à travers la musique. Je ne considère pas qu’il y ait du « temps perdu » dans ma vie, tout m’a fait grandir.