"新人类"与当代艺术的奇异终结

（MENAFN- USA Art News） 新美术馆的“新人类”看起来不再像科技恐慌，更像一台现代主义的时光机

一尊混凝土雕塑举起手机，仿佛是一件仪式性物品。附近，一件洁白的雕塑将一幅专利图转化为类似工作场所警示标签的内容。如果“新新人类：未来的记忆”听起来像是对当代科技恐惧的简明调查，新美术馆的这个新展览则采取了更为曲折的路线——在此过程中，令人惊讶地有力地证明了现代主义在机构描绘“未来”方面仍然具有持续的影响力。

展览的基本前提是宏大的：思考在科技大变革中成为人类意味着什么。然而，对当今科技话语的最字面引用仅偶尔闪现，并带有一种冻结的平静。德国艺术家朱迪思·霍普夫（1969年出生）的作品《电话用户5》（2021–22）是一件模糊的混凝土自拍者，其体积和静止感将一种熟悉的姿态转变为略带地质感的形象。新西兰艺术家西蒙·丹尼（1982年出生）的作品《亚马逊工人笼专利图作为虚拟金岛棕色刺角鸟笼（US 9,280,157 B2：“在活跃工作空间内运输人员的系统与方法”，2016）》（2019）重新想象了曾由亚马逊专利的令人担忧的笼式工作站概念——这是该公司后来放弃的项目。

这些作品暗示了当下，但“新新人类”很快就展现出自己作为“未来愿景”更广泛的沉思——一个如此宽广的类别，几乎可以容纳任何想象投射的行为。展览穿过涉及建筑、变成动物的幻想，以及大量带有超现实倾向的当代绘画，这些作品有时更偏向于营造氛围而非论证。

然后，展览的真正重心逐渐清晰：20世纪。令人震惊的是，“新新人类”实际上是一场关于现代主义的展览——关于塑造一百年前艺术家的“新传统”，以及这种实验姿态如何继续作为思考我们当下变革的模板。

历史阵容非常明确。一间展厅汇集了罗马尼亚艺术家康斯坦丁·布朗库西（1876–1957）、西班牙艺术家萨尔瓦多·达利（1904–1989）、法国艺术家马塞尔·杜尚（1887–1968）以及德国出生的埃尔莎·伯爵夫人冯·弗赖塔格-洛林霍芬（1874–1927）的作品。在其他地方，展览也提及构成主义和情境主义的建筑方法，将空间既视为社会工具，也视为一种投机媒介。

一个关键部分回顾并扩展了现代艺术博物馆（MoMA）1959年的展览“新的人体形象”，这是一次试图在核时代和去殖民化压力下描绘人体的里程碑式尝试。在新美术馆的重现中，重点放在现代艺术通过扭曲和激烈抽象来记录历史的能力上，展出从瑞士雕塑家阿尔贝托·贾科梅蒂（1901–1966）到苏丹艺术家易卜拉欣·艾尔-萨拉希（1930年出生）等艺术家的作品。

整个展览背后的策展理念——科学意象、奇观和跨时代的经典艺术的诗意融合——对关注新美术馆策展人马西米利亚诺·吉奥尼（Massimiliano Gioni）的人来说并不陌生。展览的精致不在于划分整齐的类别，而在于氛围、节奏，以及“具体与特殊”可以跨越时间传递意义的信念。这是一项艰难的平衡：故意对体裁和时间顺序保持漠不关心，同时营造出连贯的情感和思想氛围。在这里，这种方法基本得以实现。

“新新人类”特别引人共鸣的原因在于它对新美术馆本身的暗示。当策展人玛西亚·塔克（Marcia Tucker）于1977年创立该机构时，它反对已固化为正统的现代主义——一个仍在书写其历史的艺术博物馆。而今天，新美术馆依然自诩为当代艺术的专属之家。然而，“新新人类”通过回望与展望并重，提出了其论点——将现代主义视为一个未完结的章节，而是作为一种活跃的工具箱，用以想象未来。

从这个意义上说，展览的标题带有一种静悄悄的转折：“新的人类”在许多方面其实是“旧的人类”——未来的到来不是一次彻底的断裂，而是一系列反复出现的问题，在新的压力下被重新框架。