Entrevista exclusiva com o diretor do Beijing People’s Art Theatre, Feng Yuanzheng, e o renomado violinista Yao Jue: somos muito comedidos, para que os efeitos especiais não "consumam" as pessoas

Por: @E1@ | @E2@ @E3@ @E4@ Por: @E5@ @E6@ @E7@ @E8@ Por: @E5@ @E6@ @E7@ @E8@ @E9@ @E10@

Na noite de 9 de março, depois de terminar, durante o dia, uma intensa participação nas funções da Conferência Consultiva Política do Povo Chinês, @E11@ e @E12@ surgiram perante as câmaras da entrevista exclusiva do “Diário do Economia (NBD)”, (doravante NBD).

Na agenda deles não havia espaço em branco; além da qualidade de membros da Conferência, @E12@ é o primeiro diretor artístico de @E13@ (isto é, “Instituto de Teatro do Povo de Pequim”) desde a sua fundação, há mais de 70 anos; @E11@, oriunda de uma família musical, não é apenas uma das principais violinistas da China, como também fundou a Orquestra de Cordas de Hong Kong.

“Eu peço muitas vezes conselhos ao Sr. Diretor @E12@ sobre como fazer uma mudança de papel em ritmo acelerado dentro de um único dia. Afinal, o modo de pensar artístico no palco é completamente diferente do raciocínio da lógica da gestão administrativa.” disse @E11@. Na verdade, ela também não deixa de ser uma “artista estilo ‘slash’”, que se movimenta com naturalidade entre múltiplas identidades. Perante a nova era, novos públicos e novos profissionais, “não se pode ficar deitado em cima de uma placa dourada e comer o velho”, é uma atitude que ambos partilham de forma espontânea.

Como encarar, como encarar? Durante a entrevista com os jornalistas, @E12@ usou por várias vezes as palavras “autocontrolo” — a tentações de atenção massiva, à pressão comercial, à dependência de tecnologia… A inovação não pode parar, mas a cor de fundo da inovação será sempre a pessoa.

À esquerda: @E11@ À direita: @E12@ | imagem cedida pela entrevistada

Três despedidas do palco ainda sem vontade de acabar **** Quando “As Bodas de Liang Shan e Zhu Ying” encontra “A Senhora das Borboletas”, ao ver “Zhang Juzheng” aparecer em São Petersburgo

A melhoria da força cultural suave do país, a chave está em levar as obras verdadeiramente ao mundo e implementá-las no exterior. As histórias da China e as figuras históricas chinesas têm base para dialogar com o mundo, mas o mundo exterior ainda não compreende a arte chinesa, existindo preconceitos atrasados e unilaterais. Só depois de serem vistas é que as pessoas passam a gostar verdadeiramente. Levar a cultura para fora não pode depender apenas de narrativas orais; é preciso que seja tocante graças a uma experiência real.

NBD**: “Construir um país forte em cultura” é uma questão que ambas as comissões estão a acompanhar. Isto deve estar muito relacionado com as práticas de trabalho de ambos?**

**@E11@: **A minha compreensão de “país forte em cultura” é levar uma cultura chinesa excelente ao mundo. No ano passado, em novembro, por ocasião do 55.º aniversário do estabelecimento de relações diplomáticas China-Itália, eu conduzi a Orquestra de Cordas de Hong Kong numa tournée temática na Itália, “Da Senhora das Borboletas a Liang Shan e Zhu Ying”. A Orquestra de Cordas de Hong Kong tornou-se a primeira orquestra chinesa a entrar na cidade antiga medieval de Gubbio.

Usámos “Duas Borboletas” como símbolo central e, ao ouvir as melodias líricas representativas da obra-prima de Puccini “A Senhora das Borboletas”, incorporámos elementos tradicionais da ópera de Yueju chinesa na forma de um concerto para violino “A Lenda da Transformação em Borboleta” de Liang Shan e Zhu Ying. Na altura, a reação na Itália foi especialmente grande — foi um intercâmbio cultural entre dois países, não apenas um concerto de música. Nós também tocámos uma coletânea de êxitos do cinema de Hong Kong. Quando terminou a interpretação do tema de filme de Bruce Lee, o público italiano ficou tão entusiasmado que se levantou e aplaudiu com força. Nesse momento, as culturas do Ocidente e do Oriente realizaram um encaixe perfeito e um abraço caloroso através da música. Cada cena dessas fez-nos sentir o que há em comum na arte e a conexão de corações.

imagem cedida pela entrevistada

**@E12@: **Ao olhar para 2035, construir um país forte em cultura é um apoio essencial para concretizar a grande revitalização da nação chinesa. Se a Professora @E11@ constrói a ponte com música, nós do “Instituto de Teatro do Povo de Pequim” construímos a ponte com histórias para transmitir o nosso sentir.

No ano passado, levámos a peça de teatro “Zhang Juzheng” a São Petersburgo. Desde o design do cenário e a indumentária, até ao guarda-roupa e caracterização, levámos a estética tradicional chinesa ao extremo. O público russo não só foi atraído pela história envolvente, como também viu uma imagem tridimensional e real de um reformador — e, na vaga de grandes mudanças globais, permitiu que eles sentissem profundamente a dificuldade e a necessidade das reformas.

O nosso palco parece simples, mas na verdade é extremamente requintado: três poltronas de dragão, dez pilares e uma parede de tijolo velho. Ainda assim, quando o grande pano se abriu em São Petersburgo, até os especialistas locais de cenografia ficaram impressionados. As três poltronas de dragão foram copiadas com detalhes meticulosos a partir das peças originais da Cidade Proibida; o nível de execução é tão sofisticado que os profissionais locais “nem ousam tocar”. No final da apresentação, todo o público levantou-se e aplaudiu durante muito tempo; a cerimónia de despedida foi repetida três vezes e, mesmo assim, parecia não ser suficiente. Por fim, tive mesmo de pedir para o tradutor subir ao palco; só depois de eu dizer um trecho é que a troca calorosa de gestos artísticos chegou ao seu desfecho.

“Em colaborações comerciais, mantemos sempre autocontrolo” **** A arte não é um privilégio, é a luz que entra na vida

Do sistema de avaliação dos profissionais das artes, até à forma como a arte clássica entra em milhares de lares, o ponto de partida e o ponto de chegada que @E11@ e @E12@ acompanham serão sempre as pessoas.

NBD**: As propostas das duas comissões deste ano concentraram-se, de forma não combinada, no “mecanismo de avaliação e incentivo para talentos das artes e literatura”. Na vossa perspetiva, por que razão isto é tão urgente?**

**@E12@: **A minha proposta concentra-se em construir e aperfeiçoar mecanismos de prémios e apoio direcionados a profissionais do teatro. Para ser sincero, os trabalhadores do teatro têm realmente muita diligência e já alcançaram muitas realizações brilhantes, mas, no país, ainda existem relativamente poucos mecanismos de prémios específicos para este grupo. Por isso, faço um apelo para que sejam criados mais prémios de autoridade e programas de apoio voltados para profissionais de teatro na linha da frente. Este prémio não está em quantos prémios em dinheiro são, mas sim no reconhecimento do Estado — não é apenas honra, é também confiança.

imagem cedida pela entrevistada

**@E11@: **O Diretor @E12@ mencionou o incentivo aos talentos do teatro. Este ano, eu também apresentei uma proposta de talentos relacionada. Como a avaliação em Hong Kong é diferente da do continente, no continente existe ator de primeiro nível e tipos diferentes de títulos profissionais, mas em Hong Kong isso não existe. Acho que os jovens profissionais das artes e literatura de Hong Kong também desejam servir melhor o desenvolvimento do país. Por isso, propus como permitir que o mecanismo de avaliação dos talentos das artes do continente seja implementado em Hong Kong, para que a troca entre ambos fique ainda mais próxima.

NBD**: No ambiente cultural atual, instituições artísticas e indivíduos enfrentam frequentemente dois desafios: por um lado, precisam de responder à pressão da operação de mercado; por outro lado, precisam pensar como entrar verdadeiramente na vida dos cidadãos comuns. Pergunto: nos vossos respetivos âmbitos, como equilibra a relação entre “manter o nível artístico” e “baixar a barreira de participação”? Que escolhas-chave fizestes para garantir que a arte não seja apenas privilégio de poucos, mas uma força capaz de nutrir a vida espiritual das pessoas comuns?**

**@E12@: **Ao longo dos anos, os preços dos bilhetes do Instituto de Teatro do Povo de Pequim têm sido muito acessíveis: o mínimo é 80 yuan e o máximo não passa de 680 yuan. Tal como a versão juvenil de “Hamlet” que apresentamos no pequeno teatro: quatro jovens fizeram mais de 80 apresentações, com bilhetes em dois patamares — 120 yuan e 280 yuan. Se calcularmos apenas pela lógica económica, esse preço realmente é difícil de lucrar, mas o nosso teatro é o nosso próprio espaço, não precisamos pagar renda, o que reduz uma grande parte dos custos. Por isso, a nossa principal responsabilidade são as apresentações que beneficiam o povo. Além disso, o Estado também nos dá alguns subsídios. E ainda temos de fazer algumas tournées e apresentações comerciais para trazer uma parte da receita para o teatro. Também temos produtos derivados. Quando encenámos “A Casa de Chá” (Teahouse), lançámos autocolantes para frigorífico, em colaboração com @E14@, envasando chá. Mas, em colaborações comerciais, mantemos sempre autocontrolo.

**@E11@: **Nasci numa família musical em Xangai. O meu pai era um músico conhecido e diretor da Orquestra de Cinema de Xangai, @E15@. Sob as suas exigências rigorosas, comecei a aprender violino aos 4 anos; pratico todos os dias, sem falhar, durante 3 horas. Quando era criança e aprendia um instrumento, era “imposto”; o meu pai obrigava-me a tocar violino. Se não tocasse, tinha de me ajoelhar num estrado de lavar roupa durante meia hora.

Agora também sou mãe de duas filhas. Já não educaria as minhas filhas do modo como fui educada antes. Aprender violino tem aspetos difíceis e monótonos; se eu usasse apenas um “ensino tirânico e duro”, a criança perderia o interesse e a paciência. Eu escrevi um conjunto de aulas para crianças, e de forma divertida faço com que elas sintam o ritmo, formando um ambiente de aprendizagem musical em família. As crianças e os pais aprendem juntos; no início, talvez os pais aprendam mais depressa, mas no fim, normalmente é a criança que ultrapassa os pais. A minha ideia é muito clara: nem todas as crianças precisam de se tornar instrumentistas, mas todas as crianças podem ganhar confiança, sentido estético e força de vontade através da música.

Esta crença estende-se também ao nosso “Plano de Energia Musical”. Ao longo de dez anos, ajudámos 900 crianças de famílias comuns de Hong Kong a abrir a porta da música. Muitas delas vivem em “casas-partição”, espaços estreitos cortados por divisórias; numa casa inteira, o tamanho é apenas o de uma casa de banho. É sufocante e apertado. Mas, nestes recantos onde até é difícil virar, a música tornou-se a luz que entra pelas fendas. Levámos instrumentos para as suas vidas e testemunhámos com os nossos próprios olhos como as notas conseguem atravessar a morada temporariamente apertada, iluminando cada uma daquelas almas que anseiam voar.

“Quando entro no teatro, quero ver pessoas” **** Idade média “90-e depois” de espectadores, a ver “00-e depois” encenar “Camel Xiangzi”

Como atrair jovens com arte clássica? Para @E11@ e @E12@, tanto os profissionais no palco como os espectadores fora do palco mudaram. Desde que a arte clássica chegou até aos dias de hoje, não é apenas uma questão de seguir o passado e manter-se conservadora; no entanto, o centro do palco será sempre as pessoas.

NBD**: Agora há pouco discutimos como a arte “cria raízes para baixo” para servir o público. Agora queremos falar sobre como a arte “cresce para cima” para abraçar a época. No processo de promover a “juvenilização” e a “modernização” da arte, como definem o limite entre inovação e características essenciais? Quando enfrentam o impacto das novas tecnologias, qual é a vossa “linha de base” que mantêm?**

**@E12@: **Agora, na verdade, a maioria das pessoas que entram no nosso teatro do Instituto de Teatro do Povo de Pequim são “pessoas dos anos 90”. Os jovens não assistem a peças de teatro apenas para seguir celebridades; eles têm atores de que gostam, mas, mais importante, é gostarem desse formato — a própria peça de teatro. A mudança no público ocorreu por volta de 2020. Eu acho que é uma evolução natural dos públicos, e não que nós, de forma intencional, estejamos a “agradar” nem a “alimentar”.

A “Camel Xiangzi” que encenámos no ano passado foi encenada tendo em conta a versão encenada em Pequim pelo Instituto de Teatro do Povo de Pequim em 1957: cenografia, figurino, maquilhagem e interpretação foram todos uma homenagem aos clássicos mais antigos; mas os nossos atores mais novos são “pessoas dos anos 00”, e os mais velhos são “pessoas dos anos 80”; a idade média é “pessoas dos anos 90”. Na altura, eu achei que o público desse espetáculo talvez não fosse necessariamente aceitar tão bem; com uma taxa de lotação de 60% a 70% já seria aceitável. Eu também disse aos jovens atores que o mais importante era, primeiro, permitir que o público os conhecesse através dessa peça. Não esperava que a taxa de lotação desse espetáculo ultrapassasse 90%. Em 1957, o Instituto de Teatro do Povo de Pequim tinha uma peça de teatro clássica chamada “Viver e Voltar para Casa na Noite de Nevasca”; nós também a recuperámos. A cenografia introduziu elementos modernos; o design de figurino combina a estética de estilo República com a estética moderna de “novas vestes Han”, e também foi muito apreciado pelos jovens.

Por isso, hoje em dia, a dramaturgia não é apenas uma questão de seguir o passado e manter-se conservadora. Precisamos ligá-la ao presente, integrar a capacitação tecnológica à arte, mas não vamos nos render ao chamado estilo de moda popular. Não vamos ocupar o palco com multimédia; não vamos “engolir” os atores com luz e som, vídeo e eletricidade. Quanto a efeitos especiais de palco deslumbrantes, o Instituto de Teatro do Povo de Pequim é muito comedido. Eu acho que quando todos entram no teatro, o mais importante é ver pessoas. Tal como quando eu vou ouvir um concerto da Professora @E11@: não é apenas ouvir o som do violino; se não conseguirmos ver a própria Professora @E11@, então não é arte de teatro. A arte do teatro continua a ser a arte das pessoas.

**@E11@: **O Diretor @E12@ disse algo absolutamente certo. Inovação e firmeza são duas faces do mesmo lado da música clássica. Qual repertório estás a interpretar? Conseguem estas obras criar ressonância com o público contemporâneo? A nossa companhia de cordas tem vindo sempre a explorar novos caminhos. Por exemplo, eu própria tenho entusiasmo em fundir música popular com música clássica. Ao trabalhar com cantores de música popular, absorvi muitas coisas que me deram alimento. Isso torna a minha expressão artística mais tridimensional e rica. E transformar melodias populares em obras rigorosas para cordas é, por sua vez, um teste profundo à nossa compreensão da essência da música.

Quer seja tecnologia de ponta ou inteligência artificial, elas são apenas auxiliares, nunca os protagonistas. Nos palcos de musicais, o protagonista só pode ser o músico e a sua obra. O valor da tecnologia está em ajudar o público a entrar nas obras e compreender a alma com uma forma mais imaginativa e envolvente, e não em substituir os protagonistas.

A “vida a dois lados” do artista **“No período-chave da substituição entre o ‘novo’ e o ‘velho’, só dá para aguentar assim, cansado”

O palco é como um espelho, que reflete a realidade. Hoje em dia, o Instituto de Teatro do Povo de Pequim ainda mantém apresentações sem microfone; “fazer com que o último lugar do público consiga ouvir claramente as falas” é um requisito básico para cada ator do Instituto**.**

NBD**: Para além da identidade de ator e da identidade de instrumentista, vocês também desempenham outras funções. Como definem a vida artística de vocês próprios? Ao entrar nestas trajetórias profissionais, isso afeta a vossa criação artística?**

**@E12@: **Desde jovem que gosto de arte e que fui perseguir a arte, passando por um percurso de não ser reconhecido até ser reconhecido. Numa fase em que não éramos reconhecidos, para a nossa geração isso significava encontrar problemas a partir de nós próprios. Por exemplo, se eu tinha uma aparência comum, então eu devia estudar bem a representação, para compensar as minhas limitações de imagem. Quando realmente entrei na área da representação, e especialmente depois de entrar pela porta do Instituto de Teatro do Povo de Pequim, eu pensei: “Quero ser um bom ator. E, se possível, quero ser um bom ator e também um artista, como o Professor @E16@.”

Antes de 2015, eu era uma pessoa mais tranquila no Instituto, sem pensar em assumir responsabilidades tão grandes. Mas, quando os atores da geração mais antiga começaram a aposentar-se um a um, eu percebi que chegou a minha vez de assumir. Em 2016, tornei-me chefe do grupo de atores e comecei a ter responsabilidade pelo teatro. Surgiu de mim uma vontade natural: eu não aguentava ver que os outros não se esforçavam. Depois, acabei por ser também vice-diretor, mas ainda assim era apenas para cuidar de departamentos específicos. Até que o nosso anterior diretor faleceu de repente. A organização precisava de nomear-me como diretor. Na altura, ainda faltavam apenas alguns meses para eu me preparar para me aposentar… Foi assim que passei a assumir os encargos do diretor; só depois de o fazer é que percebi que não era tão fácil.

O mais difícil foi nos dois primeiros anos: ao mesmo tempo que eu fazia gestão, eu também tinha de atuar e preparar novas peças. Por isso, durante muito tempo não conseguia dormir bem. Antes de ser diretor, o meu cabelo era preto; agora já está branco. E também não há nada de que eu queira reclamar, porque se eu o assumi, então é para ir fazer. Desde 2024, o Instituto de Teatro do Povo de Pequim tentou um ritmo de produção ao nível máximo. A carga de trabalho de todos excedeu a capacidade. Num ano, no mínimo fazemos 35 peças de teatro, depois também há 8 ou 9 novas peças. No ano anterior, encenámos 11 novas peças; no ano passado, encenámos 9 novas peças. Ao longo do ano tivemos mais de 500 apresentações; e no ano passado, as nossas receitas de bilheteira atingiram o recorde histórico. Por isso, olhando para isto, eu sinto que o esforço destes anos valeu bastante.

Ser diretor e ser ator é o mais difícil de equilibrar. Só dá para dizer que, com uma respiração apertada, eu segui até hoje. Eu imagino muitas vezes como seria a vida depois da reforma: “eu durmo durante um mês e ninguém me controla”. Mas, por enquanto, ainda não dá. Por exemplo: quando enceno “Zhang Juzheng”, eu fui o último do elenco inteiro a memorizar as falas. Antes, isso era impossível. Eu acordo antes das sete da manhã; trato do trabalho do dia no teatro. Se à tarde for necessário ensaiar, então ensaio; e é muito provável que à noite eu tenha de atuar noutra peça. Quando chego a casa, já está quase a meia-noite. Ao longo de vários anos tem sido assim. Os meus colegas dizem que o nosso ramo é muito difícil. Mas pensando melhor, o Professor @E12@ não parece estar tão cansado. Eu digo: vocês não se inspirem em mim. Neste momento, é um período especial-chave de substituição entre o “novo” e o “velho” no Instituto de Teatro do Povo de Pequim: os atores “nascidos nos anos 60” aposentam-se aos poucos, e se os mais jovens conseguem ou não acompanhar, depende destes anos. Portanto, só posso seguir assim, cansado primeiro.

**@E11@: **Eu e o Diretor @E12@ estamos ambos no mesmo grupo nas duas sessões da Conferência Consultiva Política do Povo Chinês. A substituição entre o “novo” e o “velho” é o foco do trabalho dele nestes anos. Eu também fui pedir conselhos a ele sobre como fazer a troca rápida do meu papel dentro de um dia. Porque a cabeça que usamos no palco é totalmente diferente daquela que se usa na administração. Se eu não praticar violino de manhã, tratar primeiro da parte administrativa e depois praticar à tarde, não consigo concentrar-me. Agora, em geral, eu pratico violino durante três horas de manhã. Eu organizo o máximo de outros assuntos depois desse treino, para garantir que fico em condições de tocar e atuar em estado de performance no palco.

Na verdade, se for uma questão de troca de papel, o período em que estive mais tempo longe do palco foi quando eu me tornei mãe pela primeira vez. O papel de mãe fragmentou o meu tempo e a energia como intérprete. Mais tarde, voltei ao palco, e passei a tratar ser mãe como uma vivência da minha vida — para a minha expressão e compreensão da música. As agruras e as doçuras da vida, as alegrias e tristezas, eu consigo apresentá-las através da música. Por isso, eu não acho que exista qualquer “tempo de lixo” na vida. Elas dão-me diferentes tipos de crescimento.