Como o Melodrama Se Tornou o Tema Que Percorre o Festival de Perth de 2026

(MENAFN- The Conversation) O académico de teatro Peter Brooks defendeu a ascensão do melodrama como uma forma popular que substituiu a tragédia. O melodrama, disse ele, tende a ser explícito e hiperbólico na representação de valores emocionais e morais.

Essa tendência nas artes de retratar extremos da vida emocional, de forma aberta e clara, esteve presente no Festival de Perth de 2026.

Em Lacrima, atores atuam ao lado de projeções de close-ups e clipes filmados. Por outro lado, Songs of the Bulbul, de Aakash Odedra, é uma dança solo acompanhada por uma trilha sonora romântica pré-gravada.

No entanto, ambos são semelhantes. Ambos traçam uma narrativa tempestuosa. Desde o início, sabemos que essas histórias terminarão na ruptura psicofísica e na autoimolação dos protagonistas.

O personagem central de Lacrima é a chefe de um estúdio de alta-costura (interpretada por Maud LeGrevellec). Ela está presa entre prazos impossíveis, seu subordinado/resentido marido (Dan Artus) e o crescente colapso mental de sua filha.

Em Songs of the Bulbul, Odedra é um pássaro cantador, negado de luz e cego pelo seu dono, para que cante de forma mais plaintiva e requintada.

Ambas as produções usam expressões físicas exageradas para transmitir sua mensagem. Vozes agudas, gritos abertos e posturas tensas e agressivas anunciam o colapso físico final em Lacrima. Assistimos às torções e trajetórias cada vez mais angustiadas da dançarina em Odedra. Grandes gestos coincidem com clímax de intensidade dramática.

The Red Shoes oferece uma abordagem menos séria ao excesso de emoção e personagem.

Melissa Madden Gray usa sua persona diva exuberante, Meow Meow, para satirizar a si mesma e as convenções.

Escalando uma montanha de detritos, montando e desmontando figurinos, e discursando sobre Hans Christian Andersen, a peça termina com o elenco alinhado na frente, como no final de um casamento de comédia shakespeariana. Aqui, uma melodraama mais autoconsciente e cômica de colapso e recuperação incerta.

O estranho e o barulhento

A nova obra do The Last Great Hunt começa com a proposição absurda de encenar um “falso filme estrangeiro apresentado ao vivo todas as noites”.

Com configurações complexas de filmagem rapidamente instaladas no palco, Lé Nør (The Rain) é apresentada inteiramente em uma língua norueguesa falsa, dentro de um mundo fictício inspirado na videografia colorida dos anos 1980, figurinos e maquiagem.

Amizades românticas e enredos são descobertos, rompidos e reconfigurados em uma série de revelações rápidas, antes que o elenco se reúna para uma orgia na tela embaçada.

Um excelente exemplo de humor hiperbolicamente bobo.

Um favorito pessoal foi U>N>I>T>E>D, do Chunky Move, uma mime cibernética espetacularmente estranha e barulhenta, com dançarinos movendo-se entre a escuridão enquanto a música industrial indonésia do Gabber Modus Operandi pulveriza o espaço.

Os performers usam exoesqueletos modulares quase cibernéticos, parecendo aranhas. O arco dramático leva seus personagens a serem sacrificados fisicamente a um deus techno-primitivo.

Não faz muito sentido, mas é emocionante por suas mudanças dramáticas de uma cena para outra.

The Tiger Lillies, em muitos aspectos, são semelhantes ao Chunky Move: o que você vê e ouve é basicamente o que se obtém, aumentado neste caso pela adição de letras sobre almas maltratadas e momentos de intensidade rítmica.

As canções amoralistas do trio sobre a vida na rua são apresentadas por meio de esquetes líricos episódicos, em vez da poética psicológica e política complexa de Brecht.

Buscando o trágico

Houve obras meditativas e trágicas no festival.

A morte de Joseph K ao final da adaptação operática de Philip Glass de O Processo, de Kafka, é anunciada desde o começo. Mas a narrativa da ópera e a alternância de blocos de música repetitiva de Glass dão bastante tempo para assistirmos à sua luta. K é representado musical e dramaticamente como um inseto se contorcendo em um alfinete de espécime.

Fiquei especialmente encantado com o estudo íntimo de Jaha Koo sobre migração, alienação e a ambivalência da memória em Haribo Kimchi.

O cenário é inspirado em um restaurante ao ar livre na Coreia, onde Koo traça sua jornada da Coreia a Berlim e Bruxelas.

Palavras faladas alternam com curtas-metragens e animações exibidas em telas ao lado de sua modesta cozinha.

Koo relata como a sacola de kimchi fermentado que sua família o pressionou a levar para Berlim explodiu, seu aroma e sucos permeando seu prédio. Isso lhe ensinou a vergonha do imigrante.

No entanto, o kimchi representa o lar, assim como outros pratos deliciosos que Koo prepara ao vivo e distribui para o público curioso.

Koo também descreve uma viagem de volta à Coreia, onde visitou uma fazenda de enguias e ajudou a capturar alguns escapulidos escorregadios. Na tela, uma enguia animada, cantando, conta como as enguias nascem no centro do oceano, mas amadurecem em rios interiores: elas não têm uma casa, têm muitas.

Também vemos uma lesma que Koo encontrou em sua alface, manteve por um tempo e depois liberou; e um urso de goma Haribo que entrelaça a narrativa simples de Koo em fantasias que surgem da realidade diária.

Essa peça melancólica quase é o inverso do melodrama. A única ruptura corporal aqui fui eu, ao derramar uma lágrima silenciosa pela canção da enguia.

Cross-culturalismo, estilo Boorloo

O BhuMeJha Project foi uma noite de performance e comida organizada pela organização de artes e cultura espirituais Saraswati Mahavidhyalaya.

Realizado dentro de um círculo de eucaliptos antigos perto do rio, chegar ao local ao pôr do sol foi emocionante.

A música inclui violino Carnatic e vocais do diretor musical Hariraam Lam; violino malaio e pandeiro de quadro de Mohammad Hisharudy; tabla indiana de Sivakumar Balakrishnan; e, mais impressionante, as canções, o ritmo de palmas e a coreografia autorizada das Primeiras Nações australianas, cortesia do cantor Yolngu Daniel Wilfred.

Dança e canto são proporcionados por um elenco em grande parte feminino, inspirado em gestos clássicos indianos.

Refletindo diferentes níveis de treinamento, os grupos e poses tendem a ser soltos — embora os professores Sukhi Krishnan e Aarthi Kamalesh estejam tanto com o rosto engajado quanto com a postura afiada.

Ainda não está claro qual troca dramática os dançarinos estão encenando até Wilfred se juntar para fazer uma breve mímica de pesca na costa de Arnhem Land com uma lança longa, espelhada pelo grupo maior.

A voz de Wilfred corta a mistura musical com força e intensidade agudas.

O BhuMeJha Project não é polido, mas é altamente comovente.

Das apresentações que assisti, apenas BhuMeJha era inescapavelmente de Boorloo-Perth. Ironicamente, isso aconteceu porque, assim como as enguias de Koo, ela indiretamente aludiu às histórias globais de deslocamento e assentamento. Como resultado, pouco se atentou às imperativas melodramáticas de legibilidade ou escala.

O BhuMeJha Project e Haribo Kimchi são grandiosos em seu modesto apelo a múltiplos locais e às emoções que deles emergem. Precisamos de mais shows assim.