Cómo el Melodrama Se Convirtió en el Tema que Recorre el Festival Perth 2026

(MENAFN- The Conversation) El académico de teatro Peter Brooks defendió el auge del melodrama como una forma popular que reemplazó a la tragedia. El dijo que el melodrama tiende a ser explícito e hiperbólico en su representación de valores emocionales y morales.

Esa tendencia en las artes de mostrar extremos de la vida emocional, de manera abierta y con claridad, estuvo presente en el Festival de Perth 2026.

En Lacrima, los actores actúan junto a proyecciones de primeros planos y clips cinematográficos. Por el contrario, Songs of the Bulbul de Aakash Odedra es un solo de danza acompañado por una banda sonora romántica pregrabada.

Sin embargo, son similares. Ambos trazan una narrativa tempestuosa. Desde el principio, sabemos que estas historias terminarán en el colapso psico-físico y la autoinmolación de los protagonistas.

El personaje principal de Lacrima es la jefa de un estudio de alta costura (interpretada por Maud LeGrevellec). Está atrapada entre plazos imposibles, su resentido subordinado/esposo (Dan Artus), y el creciente colapso mental de su hija.

En Songs of the Bulbul, Odedra es un pájaro cantor, privado de luz y cegado por su dueño, para que cante de manera más lastimera y exquisita.

Ambas producciones emplean expresiones físicas exageradas para transmitir su mensaje. Voces agudas, gritos abiertos y posturas tensas y agresivas anuncian el colapso físico final en Lacrima. Vemos las vueltas y trayectorias cada vez más angustiosas de la bailarina en Odedra. Los gestos grandiosos coinciden con clímax de intensidad dramática.

The Red Shoes ofrece un enfoque menos serio hacia las emociones y personajes exagerados.

Melissa Madden Gray usa su personalidad de diva vulgar, Meow Meow, para burlarse de sí misma y de las convenciones.

Escalando sobre un montón de escombros, ensamblando y desensamblando disfraces, y hablando sobre Hans Christian Andersen, la obra termina con el elenco alineado en el frente, como en el final de una comedia de Shakespeare. Aquí, una melodramática de colapso y recuperación incierta, con mayor autoconciencia y humor.

Lo raro y lo ruidoso

La nueva obra de The Last Great Hunt comienza con la absurda propuesta de montar un “falso filme extranjero interpretado en vivo cada noche”.

Con configuraciones complejas de filmación rápidamente instaladas en el escenario, Lé Nør (La Lluvia) se presenta enteramente en un idioma falso, inspirado en el mundo ficticio de los coloridos videos, vestuarios y maquillajes de los años 80.

Se revelan amistades románticas y enredos, se rompen y reconfiguran en una serie de revelaciones rápidas antes de que el elenco se reúna para un orgía en pantalla difusa.

Un gran ejemplo de humor hiperbolico y habilidoso.

Un favorito personal fue U>N>I>T>E>D de Chunky Move, una mime cibernética espectacularmente extraña y ruidosa, con bailarines que se mueven en y fuera de la oscuridad mientras la música industrial indonesia de Gabber Modus Operandi pulveriza el espacio.

Los performers llevan exoesqueletos modulares cuasi-cibernéticos, que les dan un aspecto arácnido. El arco dramático lleva a que sus personajes sean sacrificados físicamente a un dios techno-primitivo.

No tiene mucho sentido, pero es emocionante en sus saltos dramáticos de un tableau a otro.

The Tiger Lillies, en muchos aspectos, son similares a Chunky Move: lo que ves y escuchas es básicamente lo que obtienes, aumentado en este caso por letras sobre almas maltratadas y momentos de intensidad rítmica.

Las canciones amoralistas del trío sobre la vida en la calle se presentan en forma de bocetos líricos episódicos, en lugar de la poética psicológica y política compleja de Brecht.

Buscando lo trágico

Hubo obras meditativas y trágicas en el festival.

La desaparición de Joseph K al final de la adaptación operística de Kafka de El Proceso, de Philip Glass, se anuncia desde el principio. Pero la narrativa de la ópera y la alternancia de bloques de música repetitiva permiten mucho tiempo para verlo luchar. K se representa musical y dramáticamente como un insecto retorciéndose en su propia aguja de especímenes.

Me encantó especialmente el estudio íntimo de Jaha Koo sobre migración, alienación y la ambivalencia de la memoria en Haribo Kimchi.

El escenario está inspirado en un restaurante al aire libre en Corea, donde Koo relata su viaje desde Corea a Berlín y Bruselas.

El spoken word alterna con cortos filmes y animaciones en pantallas a los lados de su modesta cocina.

Koo cuenta cómo la bolsa de kimchi con col fermentada que su familia le presionó para llevar a Berlín explotó, y su aroma y jugos impregnaron su edificio. Esto le enseñó la vergüenza del inmigrante.

Pero el kimchi también representa el hogar, al igual que otros platos deliciosos que Koo cocina en vivo y comparte con el público curioso.

Koo también describe un viaje de regreso a Corea, donde visitó una granja de anguilas y ayudó a capturar varias que se escaparon. En pantalla, una anguila animada, de tono alto y canto, nos cuenta cómo las anguilas nacen en el centro del océano, pero maduran en vías fluviales interiores: no tienen un solo hogar, sino muchos.

También vemos un caracol que Koo encontró en su lechuga, que mantuvo por un tiempo y luego liberó; y un osito de goma Haribo que enreda la sencilla narración de Koo en fantasías surgidas de la realidad cotidiana.

Esta pieza melancólica y nostálgica es casi la inversa del melodrama. La única colapsación corporal aquí fui yo, mientras sollozaba en silencio por la canción de la anguila.

El multiculturalismo, al estilo Boorloo

El BhuMeJha Project fue una noche de performance y comida organizada por la organización de artes y cultura espiritual Saraswati Mahavidhyalaya.

Se realizó en un círculo de eucaliptos viejos cerca del río, y llegar al lugar justo al atardecer fue emotivo.

La música incluye violín y voces Carnáticas del director musical Hariraam Lam; violín y darbuka malaya del músico Mohammad Hisharudy; tabla india de Sivakumar Balakrishnan; y, lo más llamativo, las canciones, palmas y coreografía autorizada de las Primeras Naciones australianas, a cargo del cantante Yolngu Daniel Wilfred.

La danza y el canto son interpretados por un conjunto en su mayoría femenino, que usa gestos de la música clásica india.

Reflejando diferentes niveles de entrenamiento, los grupos y poses tienden a ser sueltos, aunque los maestros Sukhi Krishnan y Aarthi Kamalesh están tanto en la expresión facial como en la postura física.

Lo que exactamente están representando los bailarines sigue siendo un misterio hasta que Wilfred se une para hacer un breve mime de pesca en la costa de Arnhem Land con una lanza larga, en sincronía con el grupo mayor.

Las voces de Wilfred cortan la mezcla musical con fuerza e intensidad.

El BhuMeJha Project no es pulido, pero es muy emotivo.

De los shows que vi, solo BhuMeJha era inconfundiblemente de Boorloo-Perth. Irónicamente, esto fue así porque, al igual que las anguilas de Koo, hacía alusión indirecta a historias globales de desplazamiento y asentamiento. Como resultado, prestó poca atención a los imperativos melodramáticos de legibilidad o escala.

El BhuMeJha Project y Haribo Kimchi son grandes en su modesta evocación de múltiples lugares y las emociones que en ellos se despliegan. Necesitamos más espectáculos así.