Diálogo exclusivo con Feng Yuanzheng, director del Teatro de la República Popular de Beijing, y Yao Jue, experto en música de cuerda: Somos muy moderados, no dejamos que los efectos especiales "se coman" a la gente

Cada día, los periodistas | Ding Zhouyang, Song Meilu, pasantes Chang Songzishen, editores Chen Junjie

El 9 de marzo por la noche, tras un día de intensa participación en la Conferencia Consultiva Política del Pueblo Chino, Yao Jue y Feng Yuanzheng aparecieron frente a la cámara en una entrevista exclusiva para el periódico “Diario Económico y Financiero” (en adelante NBD).

Sus agendas estaban completas, además de ser miembros de la Conferencia Consultiva, Feng Yuanzheng es el primer director de teatro en los más de 70 años de historia del Beijing People’s Art Theatre; Yao Jue, de una familia musical, no solo es una destacada violinista en China, sino que también fundó la Orquesta de Cuerdas de Hong Kong.

“Suelo aprender mucho del director Feng: ¿cómo logra cambiar de personaje en un solo día? Al fin y al cabo, el pensamiento artístico en el escenario y la lógica de la gestión administrativa son completamente diferentes”, comentó Yao Jue. En realidad, ella misma es una “artista de múltiples facetas” que navega con soltura entre diferentes identidades. Frente a la nueva era, nuevos espectadores y nuevos profesionales, ambas coinciden en que “no se puede vivir solo de la fama pasada”, una actitud que comparten sin dudar.

¿Cómo enfrentarlo? ¿Cómo afrontarlo? Durante la entrevista, Feng Yuanzheng utilizó varias veces la palabra “moderación”, refiriéndose a las tentaciones de las redes, las presiones comerciales y la dependencia tecnológica… La innovación no debe detenerse, pero su base siempre es la persona.

Izquierda: Yao Jue Derecha: Feng Yuanzheng Imagen proporcionada por los entrevistados

Tres despedidas y aún con ganas de más Cuando “Liang Zhu” se encuentra con “Madama Butterfly”, y “Zhang Juzheng” hace su debut en San Petersburgo

Mejorar la soft power cultural del país requiere realmente llevar las obras al mundo y aterrizar en el extranjero. Las historias chinas y sus personajes históricos tienen una base para dialogar con el mundo, pero el arte chino aún no es bien conocido, y persisten prejuicios atrasados y parciales. Solo cuando se ve, se puede realmente gustar; la cultura no puede salir solo con palabras, sino con experiencias auténticas que conmuevan el corazón.

NBD : “Fortalecer la cultura nacional” es un tema que ambos miembros abordan, ¿esto está muy relacionado con su trabajo práctico?

Yao Jue: Entiendo que “fortalecer la cultura nacional” significa llevar la excelente cultura china al mundo. En noviembre del año pasado, coincidiendo con el 55 aniversario del establecimiento de relaciones diplomáticas entre China e Italia, dirigí la Orquesta de Cuerdas de Hong Kong en una gira temática “De Madame Butterfly a Liang Zhu” en Italia, convirtiéndose en la primera orquesta china en visitar la antigua ciudad medieval de Gubbio.

Utilizamos las “dos mariposas” como símbolo central, y en la melodía lírica de la obra maestra de Puccini, “Madame Butterfly”, incorporamos elementos tradicionales de la ópera de Yue de China, fusionando la leyenda de “transformar mariposas” en el concierto “Liang Zhu”. La respuesta en Italia fue muy positiva, fue un intercambio cultural entre ambos países, no solo un concierto. También interpretamos un medley de canciones famosas del cine de Hong Kong. Cuando terminó la canción temática de Bruce Lee, el público italiano se levantó y aplaudió emocionado. En ese momento, la cultura china y occidental se conectaron y abrazaron con música. Estas escenas nos hicieron sentir la resonancia artística y la conexión de corazones.

Imagen proporcionada por los entrevistados

Feng Yuanzheng: De cara a 2035, construir una cultura fuerte es clave para lograr la gran revitalización de la nación china. Si la profesora Yao usa la música para construir puentes, nosotros en “Beijing People’s Art Theatre” transmitimos sentimientos a través de historias.

El año pasado, llevamos la obra “Zhang Juzheng” a San Petersburgo. Desde el diseño escénico hasta el vestuario, explotamos al máximo la estética tradicional china. Los espectadores rusos no solo quedaron cautivados por la historia, sino que también vieron una imagen tridimensional y auténtica de un reformador, en medio de las olas de cambio global, sintiendo profundamente la dificultad y la necesidad de la reforma.

Nuestro escenario parece sencillo, pero es sumamente refinado: tres tronos de dragón, diez columnas, un muro de ladrillos antiguos. Sin embargo, cuando se abrió el telón en San Petersburgo, incluso los expertos en diseño escénico locales quedaron impresionados. Los tres tronos de dragón están reproducciones precisas de objetos originales de la Ciudad Prohibida, con una artesanía tan exquisita que los profesionales locales no se atreven a tocarlos. Al terminar la función, el público permaneció de pie durante mucho tiempo aplaudiendo, y la despedida se repitió tres veces, sin que nadie quisiera que terminara. Finalmente, tuve que invitar al traductor a subir al escenario y decir unas palabras para cerrar con entusiasmo esta interacción.

“En cuanto a colaboraciones comerciales, siempre mantenemos la moderación” El arte no es un privilegio, sino una luz que ilumina la vida

Desde el sistema de evaluación de los artistas hasta cómo las obras clásicas llegan a las familias, el enfoque y la finalidad de Yao Jue y Feng Yuanzheng siempre son las personas.

NBD : Este año, ambas propuestas de los miembros se centran en el “sistema de evaluación y estímulo del talento artístico”. ¿Por qué consideran que esto es tan urgente?

Feng Yuanzheng: Mi propuesta se enfoca en construir y perfeccionar mecanismos de recompensa y apoyo para los artistas teatrales. La verdad, nuestros artistas de teatro son muy dedicados y han logrado resultados destacados, pero en el país aún hay pocos mecanismos de premios específicos para este grupo. Por eso, hago un llamado a establecer más premios y programas de apoyo para los artistas de primera línea. La recompensa no se trata solo del dinero, sino del reconocimiento del Estado, que es más importante que la gloria, porque genera confianza.

Imagen proporcionada por los entrevistados

Yao Jue: Feng director mencionó la importancia de incentivar a los talentos teatrales, y este año también presenté una propuesta relacionada. Debido a las diferencias en los sistemas de evaluación entre Hong Kong y el continente, en el continente existen categorías como actores de primer nivel y diferentes títulos, pero en Hong Kong no. Creo que los jóvenes artistas de Hong Kong también quieren servir mejor al desarrollo nacional, por eso propongo que el mecanismo de evaluación de talentos en el continente pueda implementarse en Hong Kong, para fortalecer el intercambio entre ambos lados.

NBD : En el actual entorno cultural, las instituciones y los artistas enfrentan desafíos dobles: por un lado, la presión del mercado, y por otro, cómo llegar realmente al público general. ¿Cómo equilibran en sus respectivos campos la “perseverancia en la calidad artística” y la “reducción de barreras de participación”? ¿Qué decisiones clave han tomado para que el arte no sea solo un privilegio de unos pocos, sino una fuerza que nutre la vida espiritual de todos?

Feng Yuanzheng: El precio de las entradas en Beijing People’s Art Theatre ha sido muy accesible durante años, con un mínimo de 80 yuanes y un máximo de 680. Por ejemplo, en la versión juvenil de “Hamlet” que presentamos en un teatro pequeño, cuatro jóvenes actuaron en más de 80 funciones, con precios de 120 y 280 yuanes. Desde el punto de vista económico, es difícil obtener beneficios, pero como no pagamos alquiler, ahorramos mucho. Nuestra principal responsabilidad es ofrecer funciones para el público, además de recibir subsidios del Estado y realizar giras para generar ingresos. También vendemos productos relacionados, como imanes y té en colaboración con Wu Yutai. Pero siempre mantenemos la moderación en colaboraciones comerciales.

Yao Jue: Nací en una familia musical en Shanghái. Mi padre, el reconocido músico y director de la Orquesta de Música de Shanghái,姚笛, me exigió mucho. Comencé a aprender violín a los 4 años, practicando tres horas diarias sin falta. Cuando era pequeña, me obligaban a tocar, si no, me hacían arrodillarme en una tabla de lavar durante media hora.

Ahora soy madre de dos hijas. Ya no educo a mis hijas con la estricta disciplina que recibí. Aprender música puede ser duro y monótono, y una educación demasiado rígida puede hacer que pierdan interés y paciencia. Escribí un programa infantil con métodos divertidos para que los niños sientan el ritmo y creen un ambiente musical en casa. Padres e hijos aprenden juntos; al principio, los padres aprenden más rápido, pero al final, generalmente, las niñas superan a los padres. Mi filosofía es clara: no todos los niños deben convertirse en intérpretes, pero todos pueden obtener confianza, estética y voluntad a través de la música.

Esta creencia también se refleja en nuestro “Plan de Energía Musical”. En diez años, hemos ayudado a 900 familias en Hong Kong a abrir la puerta a la música. Muchos viven en “cubículos”, espacios pequeños divididos por tabiques, del tamaño de un baño, opresivos y estrechos. Pero en esos rincones, la música se convirtió en la luz que atraviesa las grietas. Llevamos instrumentos a sus vidas y hemos visto cómo las notas atraviesan la adversidad, iluminando corazones ansiosos de volar.

“Cuando entro en el teatro, solo quiero ver gente” La edad promedio de los espectadores es de 90 años, y ven “Tibetan Fox” con “post-00”

¿Cómo atraer a los jóvenes hacia el arte clásico? Para Yao Jue y Feng Yuanzheng, tanto los artistas en escena como los espectadores han cambiado. La obra clásica de hoy no es solo por tradición, sino que el escenario siempre es humano.

NBD : Hemos hablado de cómo el arte " arraiga en las bases" para servir al público, ahora queremos hablar de cómo el arte “crece hacia arriba” y abraza la era. En el proceso de promover la “juvenilización” y “modernización” del arte, ¿cómo definen la frontera entre innovación y fidelidad a la tradición? Frente al impacto de nuevas tecnologías, ¿cuál es su “línea roja”?

Feng Yuanzheng: Actualmente, en la Academia de Teatro de Beijing, la mayoría de los asistentes son “post-90”. Los jóvenes no ven las obras solo para seguir a sus ídolos, sino que también disfrutan del formato teatral. La transformación del público ocurrió alrededor de 2020, y creo que fue una evolución natural, no una estrategia de “seducción” o “alimentación”.

El año pasado, montamos “Tibetan Fox” siguiendo la versión original de 1957 de la Academia de Teatro de Beijing, con escenografía, vestuario, maquillaje y actuación en homenaje a los clásicos. Pero nuestros actores más jóvenes son “post-00”, y los mayores “post-80”, con una edad promedio en los “noventa”. Pensé que quizás no sería tan aceptado, y que una asistencia del 60-70% sería buena, pero para sorpresa mía, superó el 90%. La obra “Viento y nieve, noche de regreso” de 1957, también la recuperamos, con elementos modernos en la escenografía y un vestuario que combina el estilo republicano con la estética moderna de “nueva ropa Han”, y fue muy popular entre los jóvenes.

Por eso, el teatro de hoy no es solo por tradición, sino que debe integrarse con la tecnología, sin caer en modas pasajeras. No usamos multimedia para dominar el escenario ni efectos de luz y sonido que “devoran” a los actores. Feng Yuanzheng: “El público que entra en el teatro quiere ver a las personas”. Como cuando asisto a un concierto de la profesora Yao: no basta con escuchar el sonido del violín, si no puedo ver a la artista en persona, eso ya no es teatro, sino solo música. El teatro sigue siendo arte humano.

Yao Jue: Tiene toda la razón. La innovación y la perseverancia son dos caras de la misma moneda en la música clásica. ¿Qué repertorio interpretan? ¿Pueden esas piezas resonar con el público contemporáneo? Nuestro conjunto de cuerda siempre busca nuevas vías. Por ejemplo, me gusta fusionar música popular con clásica. Colaborar con cantantes populares me ha enriquecido, y esto hace que mi expresión artística sea más completa. Adaptar melodías populares en obras de cuerda rigurosas requiere una profunda comprensión de la esencia musical.

Ya sea tecnología avanzada o inteligencia artificial, son auxiliares, no protagonistas. El protagonista del teatro musical siempre será el músico y su obra. La tecnología ayuda a que el público entre en la obra con mayor imaginación y absorción, entendiendo el alma, no dominando la escena.

La “doble vida” del artista “En tiempos de cambio de generaciones, solo podemos seguir así, agotados”

El escenario es un espejo que refleja la realidad. Hoy, la Academia de Teatro de Beijing mantiene la “representación sin micrófono”, y “que la última fila escuche claramente las líneas” es un requisito básico para todos los actores.

NBD : Además de su rol como actores y músicos, ustedes también asumen otros trabajos. ¿Cómo definen su vida artística? ¿Estas carreras afectan su creación artística?

Feng Yuanzheng: Desde joven, amé el arte y lo perseguí. Pasé de ser no reconocido a ser valorado. La etapa de no ser aceptado fue para buscar problemas en uno mismo. Por ejemplo, como actor, mi apariencia era normal, así que me esforcé en aprender actuación para compensar esa limitación. Cuando entré en la Academia de Teatro de Beijing, pensé en ser un buen actor, y si podía, también un artista como el profesor Yushi.

Antes de 2015, en la academia era un actor disperso, sin muchas responsabilidades. Pero cuando los veteranos se retiraron, entendí que era mi turno. En 2016, asumí como jefe del elenco, y sentí una responsabilidad hacia el teatro. Me di cuenta de que no podía tolerar la falta de esfuerzo de otros, y luego fui subdirector, pero solo en ciertos departamentos. Cuando nuestro exdirector falleció repentinamente, me propusieron como director, aunque casi me jubilaba. Así, asumí el cargo y descubrí que no era fácil.

Lo más difícil fue en los primeros años, cuando además de gestionar, tenía que actuar y ensayar nuevas obras, y no podía dormir bien. Antes de ser director, mi cabello era negro, ahora ya está canoso. Pero no me quejo, porque acepté el cargo y tengo que cumplir. Desde 2024, la Academia de Teatro de Beijing ha adoptado un ritmo de producción máximo, con más de 35 obras al año, incluyendo 8 o 9 estrenos. El año pasado, tuvimos más de 500 funciones, y la taquilla alcanzó récords históricos. Estos años de esfuerzo valieron la pena.

Ser director y actor al mismo tiempo es muy difícil de equilibrar; solo puedo seguir adelante con esfuerzo. A menudo sueño con cómo sería mi vida tras la jubilación: dormir un mes, sin que nadie me moleste. Pero todavía no puedo. Por ejemplo, en “Zhang Juzheng”, soy el último en salir del escenario con las líneas memorizadas, algo impensable antes. Me levanto antes de las siete, voy al teatro, trabajo todo el día, y si hay ensayos por la tarde, sigo ensayando, y por la noche actúo en otra obra. Regreso a casa casi a las doce. Así llevo años. Los colegas dicen que esta profesión es dura, pero pensando en Yuanzheng, no me canso. Les digo: “No me sigan”, porque ahora estamos en un período clave de cambio generacional en la academia. Los actores “post-60” se están retirando, y los jóvenes aún no están a la altura. Solo el tiempo dirá si podrán sostenerlo. Por eso, sigo aguantando.

Yao Jue: Yo y Feng director estamos en la misma comisión de la Conferencia Consultiva. La sucesión de generaciones ha sido su enfoque en estos años. También le he pedido consejo sobre cómo cambiar rápidamente de personaje en un solo día. Porque en el escenario, el cerebro que usamos es muy diferente del trabajo administrativo. Si no practico el violín por la mañana, no puedo concentrarme en la gestión. Ahora, suelo practicar tres horas por la mañana, y después organizo otras tareas. Así puedo mantener mi estado de interpretación.

De hecho, el cambio de personaje fue más difícil cuando fui madre. La figura de madre dispersó mi tiempo y energía como intérprete. Pero al volver al escenario, consideré esa experiencia como parte de mi vida, y la utilicé para expresar y entender mejor la música. Los altibajos de la vida los puedo plasmar en mi interpretación. Para mí, no hay “tiempo perdido”; todo aporta a mi crecimiento.